Piccola Orchestra Gagarin

PICCOLA ORCHESTRA GAGARIN

PAOLO ANGELI: prepared sardinian guitar, voice

SASHA AGRANOV: cello, voice

ORIOL ROCA: drums, percusion

 

“They match their international border crossing with trampling all over musical styles; there’s folk from individual traditions, avant-garde-jazz, rock, experimental improvisation, electronica… It’s all grippingly exhilarating and inspiring and very, very original. We all like that, don’t we?” Ian Anderson, fRoots Magazine (UK)

 

We are in the 60s and there has been a mutation of Icaru’s wings made of feathers and wax into a few square meters capsule, that flying to the stars, makes real what up to a decade before seemed impossible to achieve. April 12, 1961, Yuri Gagarin makes history as the first human to orbit the Earth: From up here the Earth is blue! How wonderful! … Is beautiful, without borders or boundaries … “¡поехали !!!

 

The trio Piccola Orchestra Gagarin go acroos this adventure with the album VOSTOK, leaving behind the beautiful album Platos Combinados covering along a musical parable in orbits where musical genres are turned into pieces to be recycled into a compelling mosaic. The mission is secret and we are not allowed to know the route the three astronauts will follow but it certainly is a unique opportunity to savor the poetic surrealism of a trio that moves with ease among baroque music, jazz, improv and song form.

 

Dressed in fake astronaut outfits, the three musicians re-enact Gagarin’s deeds: a pretext to remind us how essential it is in music to experiment and to dare…

 

“Vostok is fearless Mediterranean fusion with a Cold War space exploration theme and an absence of unnecessary formalism. Sounds good to me… and it sounds better with each listen.” Dave Foxall, A Jazz Noise (UK)

AUDIO

DISCOGRAPHY

PRESS

Creo que fue Tom Waits quien dijo que aborrecía las emisoras de radio musicales temáticas, algo habitual en su país pero ajeno al nuestro, abandonada como está a su suerte la radio digital en España. Razón no le falta al estadounidense, nada más estrecho de miras que un mundo monocorde. Por eso creo que le gustaría el segundo disco de la Piccola Orchestra Gagarin, porque sin ser una emisora sí es un emisor de diversidad. Será que desde el espacio se puede tomar perspectiva de la riqueza musical del planeta.

Vostok, relevo de aquel peculiar menú de degustación que fuePlatos Combinados, es el nombre de la nave en la que viajó el astronauta Yuri Gagarin. El ruso, primer humano en viajar al espacio, falleció irónicamente en accidente de aviación, hecho que la POG conmemora aquí con una marcha fúnebre, himno doliente sobre el que bien hubiera podido recitar Waits, megáfono en mano, firma del baterista Oriol Roca. Y es que en esta carrera músico-espacial, el trío barcelonés se instaló desde el inicio en el terreno de la ironía, incluso involuntaria, como la de abrir disco dedicando un tema a Mandla Maseko, anunciado como el primer africano negro en viajar al espacio. Todavía está esperando.

Ironías aparte, lo de la POG es algo muy serio, aunque su presencia escénica, embutidos en unos peculiares trajes espaciales, invite a la chanza. En serio, el salto que ha dado el grupo de seis años a esta parte es cósmico. Si el primer disco era la grabación de su segundo concierto, fundamentado en la casi más absoluta improvisación, ahora nos ofrece una versión de estudio (pre)meditada, muy bien estructurada y con la novedad de la incorporación de varios temas con firma. Se mantiene el sello del inconfundible canto sardo de Paolo Angeli en Piaghesa, y se incorpora Sasha Agranov con una nana tradicional rusa que le cantaba su madre de pequeño, Krutitsa vertiysa shar goluboy, intensa, nostálgica, emotiva, biberón de alta graduación.

A Tom Waits creo que le podría gustar, porque el disco tiene incluso un punto canalla, y sobre todo porque se abre con sonoridades africanas que después son rusas para inmediatamente tornarse árabes al rendir homenaje a la grande entre las grandes de la canción epigcia, Oum Kalthoum. Siendo terreno instrumental, el trío capta muy bien los giros rítmicos y la estética de su música, ayudados en gran medida por la capacidad de mutación tímbrica de la guitarra de Angeli. Sin ser un continuo de improvisación como en el caso del anterior disco,Vostok va hilando temas con fluidez, como si el satélite fuera avanzando alrededor de la tierra y captando señales que la POG naturaliza e integra en su propio idioma, a medio caballo del rock progresivo, el folclore y el jazz.

Terreno indefinido, que no diluido, porque con tan poco arsenal instrumental la Piccola suena grande, poderosa, versátil, tierna incluso. A la espacial, melódica y, sí, tierna Cançó de bressol de Oriol Roca -Uri en su versión musiconauta– le sigueCrater malaria, un breve ejercicio de exploración colectiva, que marca ese tono de humor inocente y asombro extraterrestre del trío. Humor de bourbon en el brillante cierre de disco, cuando la música danza bajo unas palabras que, de forma pedagógica, aconsejan cómo afrontar los riesgos de la bomba atómica. Lo dicho, ¡la bomba! Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz

 

In 2013 I bought a CD (Marcel·lí Bayer’s “Les Narrations”, in case you’re interested) and with it came a free sampler disc, “Jazz from Catalonia 2012”. New to town, it was a good introduction to the variety of jazz and improvisation in Barcelona and one of the stand-out tracks was Piccola Orchestra Gagarin’s Corsicanskaya.

Now, here we are in 2016, and POG have a new disc available, “Vostok”, named after Yuri Gagarin’s planet-leaving craft from April 1961. The previous disc, “Platos Combinados” was a live recording, capturing POG’s quirky, charming, wry, folk- jazz explorations, and “Vostok” continues the same journey; if anything, travelling further afield.

This is a highly compelling album. There are multiple modes of entry – African rhythms, re-worked traditional songs, almost-classical grandeur, free noise, etc. – and you’re bound to be sucked in by at least one of them. Once inside, the kaleidoscopic, ever-transforming musical vista will keep you there as one facet leaps smoothly to the next. Not to mention Agranov’s agile and entrancing cello, Roca’s deceptive anti-rhythms and ear for detail, and Angeli’s chameleonic stringed grace. And yet, despite the broad variety of flavours, it all forms a completely natural whole.

The space and cosmonauts theme is established from the off, but with a difference. Mandla Maseko is or will likely be the first black African in space (excuse the uncertainty – Google?!) and so the disc starts with POG branching out into some African percussion rhythms. Other highlights include Krutitsa vertitsa shar goluboy which is more familiar POG territory, a take on a traditional Russian song of unrequited love sung by Agranov (after just one listen, I found myself humming the chorus refrain in the shower, which hopefully is a good thing…)

The counterpart to Krutitsa… is Piaghesa, a traditional Sardinian song with Angeli on vocals. Both songs offer that folk-y mix of wistful hope and melancholy but filtered through a willingness to experiment and explore. Between them bookend the group’s roots nicely. But wait, what about the third member of the triumvirate? Roca’s Catalan upbringing is represented by a couple of cançons of which the lullaby Cançó de bressol is particularly affecting with its stately, soothing, semi-classical vibe.

Meanwhile, Dum Kalthoum conjures the air of a souk  – hot, dusty, raw spices – with the angular drumbeats pushing all three in unexpected directions. Crater Malaria is pure free-form fun. And returning to space, Himne follows a BBC-ish announcement of Gagarin’s death with a powerful, sombre-yet-celebratory funeral march (and the homages to fallen cosmonauts continue with Laika come home).

We close with a dose of POG humour, as Duck and cover draws inspiration from a 1951 US civil defense film, advising children what to do, “when an atomic bomb explodes.” The upbeat, cheery music, complete with quirky bells, shakers and squeaky toys, is the perfect commentary on the straight-faced commentary that informs us that an atomic bomb may knock down signboard and, “break windows all over town.”

“Vostok” is fearless Mediterranean fusion (Agranov may have been born in St Petersburg but the family moved to Israel soon after) with a Cold War space exploration theme and an absence of unnecessary formalism. Sounds good to me… and it sounds better with each listen. Dave Foxall, A Jazz Noise

 

Secondo capitolo discografico per il trio formato dal violoncellista Sasha Agranov, il batterista Oriol Roca e il mentore Paolo Angeli con il suo strumento ibrido tra chitarra e contrabbasso con sezione ritmica inclusa. Il loro quartier generale è Barcellona, si sono conosciuti in un bar malfamato e hanno registrato l’album Platos Combinados, una lunga suite tra jazz, classica e elettronica. Tra mandolino, luneddas e altri strumenti atipici Vostok rilancia la fantasia di questo connubio unico e originale, con maggiore enfasi sulla parte ritmica: Mandla Maseko è una jam session con un mix di batteria in puro stile Stewart Coppeland con archi e pizzicato; Llama un brano fusion sospeso tra Branduari e Paolo Conte. Krutitsa e Himnefondono il sound di Nick cave con il mood di Tarantino; Oum Kalthoum ha un taglio classico ed è l’apice del pathos dell’album mentre Duck and cover è una bizzarra composizione blues con un lungo speech sovrainciso. Piaghesa come stile ed interpretazione mediterranea rendono la Piccola Orchestra Gagarin una sorta di Madredeus 2.0; con la stessa profondità è delicatezza, tra fado e canto. La contaminazione e l’energia del trio si riverberano soprattutto nell’esibizione dal vivo, una tempesta di suoni affascinante e coinvolgente. Guido Biondi, Il Fatto Quotidiano

 

Uno di quei dischi che sfugge a etichette e incasellamenti di qualsiasi natura. Jazz? World Music? Avant-garde? Divertissement? Tutte queste cose insieme, ma anche tanto di più. Il trio composto dal violoncellista russo/israeliano Sasha Agranov, dal chitarrista (e non solo…) Paolo Angeli e dal batterista e “rumorista” catalano Oriol Roca, al secondo lavoro, dopo l’altrettanto brillante “Platos Combinados”, fornisce una serie di input all’ascoltatore, input talmente forti che l’ascolto di “Vostok” diventa una di quelle esperienze che, seppure per soli quaranta minuti, ti inchiodano alle cuffie (nel mio caso) o alle casse dello stereo. Il melange sonoro, soprattutto gli intrecci fra il cello di Agranov e la chitarra “preparata” di Angeli, è talmente tight che risulta in alcuni momenti persino difficile distinguere i due strumenti (una delle peculiarità dello strumento del musicista sardo, una chitarra “sarda” equipaggiata con pedali, pick-ups, martelletti e persino delle eliche, è che può essere usata ad arco e a pizzico), come nel brano “Llama”, uno dei più belli del disco. La parte ritmica (spesso un ritmo de-strutturato o sovrapposto poli-metricamente a quello dei temi) è affidata a Oriol Roca, originale e sempre ben inserito nel contesto sonoro. “Vostok” è un omaggio all’astronauta sovietico Yuri Gagarin, primo uomo a viaggiare nello spazio, che morì, ironia della sorte, in banale incidente aereo. Molti sono le tracce che rimandano al mondo dell’astronautica, anche grazie all’uso di frammenti sonori con voci o interviste dell’epoca: dal brano d’esordio “Mandla Maseko”, intitolato al primo space-voyager sudafricano e che all’Africa deve sonorità (la chitarra ricorda evidentemente il timbro della kora) e drumming e dove appare la voce di Mandla-Maseko-himself , campionata in un’intervista, a “Laika Come Home” che ricorda la cagnetta che venne lanciata nello Sputnik 2, a “Himne” dedicato a Gagarin stesso. Curiosa la track “Duck and Cover”, dove il campione è di un documentario che invita a bambini a difendersi nel caso di… scoppio di una bomba atomica. Altri brani sono quelli dove l’ispirazione tradizionale è più forte: “Piaghesa”, con la voce di Angeli, a richiamare uno dei brani del repertorio del canto a chitarra, argomento sul quale il musicista sardo è un’ autorità in materia, avendo ad esso dedicato i suoi studi di etnomusicologo, fino alla pubblicazione del libro “Canto in Re”; il risultato non è così iconoclasta come nella “Corsicanskaya” dell’album precedente, ma di indubbio effetto. Poi “Krutitsa”, il cui tema, bellissimo, e anche facilmente memorizzabile, mutuato da un brano tradizionale russo. Apice del cd è “Canço de Bressol” composizione di Roca che, da un semplice tema, si sviluppa intrecciando distorsioni, eliche e post-rock: brano capolavoro ! In conclusione, un bel lavoro, solido, suonato bene, che lascia eguale spazio, anche a livello compositivo, ai tre musicisti i quali, e non è sempre scontato, mostrano anche di divertirsi parecchio, specie se vestiti da astronauti. Gianluca Dessì, Blogfoolk

 

Den italienske gitaristen Paolo Angeli, har de senere årene markert seg som en av de aller mest originale gitaristene sør for Klampenborg. Han har gjort en rekke soloplater, og plater og konserter med andre musikere i Italia, og med sin helt særegne gitar (prepared sardinian guitar), hvor strengene går i alle retninger, som gjør at han kan spille gitar, cello, fele og alle andre tenkelige strykeinstrumenter på en gitar. Så vidt jeg vet, så forefinnes det kun to gitarer i verden av dette slaget, den ene tilhører Pat Metheny og den andre Angeli.

I denne trioen har han med seg cellisten og vokalisten Sasha Agranow og trommeslageren Oriol Roca, i 11 låter, hvor de fleste er komponert i fellesskap.

Musikken er svært variert, og vi får musikk som kan være russisk inspirert, italiensk og fra områdene mellom de to landene.

Angeli er en glitrende gitarist, som utnytter den sardinske gitaren på sin helt spesielle måte. Han har full kontroll på alle strengene og sammen med cellisten Agranov, blir dette en plate med stryke/strengeinstrumentene i fokus. Roca blir på mange måter den som holder det hele sammen, ofte med litt tungt trommespill.

Vi får en reise i rommet sammen med de tre «astronautene», og det er liten tvil om at denne romferden foregår i et russisk romskip, for den musikken som fremføres er vel omtrent så langt fra den amerikanske musikken det er mulig å komme.

Hele veien er dette sjarmerende og morsomt. Vi tar med på en reise som er spennende, utfordrende og vital, med sjefsastronaut Angeli i storform.

Innimellom kommer det et og annet transportstrekk som ikke er av det mest spennende, men slik er det vel på en romferd. Det er først når de tre slår seg løs og slipper litt opp, at det spennende skjer. Og på «Vostok» skjer det ofte!

Dette er en slags hyllest til astronauten Yuri Gagarin, og i låta «Himne», av Roca, får vi en slags italiensk kjærlighetsballade, som jeg velger å tolke som en hyllest til Sovjets største romfarer.

Hele reisen ender med en advarsel om atombomben, i låta «Duck and Cover», en slentrende swinglåt, med akkurat passe utglidninger, og med en morsom tekst, og det hele blir et ironisk sleivspark til USA.

En morsom og spennende plate i grenseland mellom folkemusikk og jazz fra Russland til Italia, humor og ironi. Jan Granlie, Salt Peanuts

 

Un viaje musical a la Luna digno de un film mudo, con un punto humorístico a lo Wallace & Gromit. Una serie de escenas que se van sucediendo y que conforman ese trayecto de ida y vuelta al satélite, tratando de transmitir la incertidumbre que debían sentir los pioneros de los vuelos espaciales (en este sentido hay piezas que se titulanMercado de chatarra, El día que falló la nave, ¿Qué hacemos? Y Landing in a wrong place). Estas escenas o cuadros, que se grabaron de un tirón en un concierto, proporcionan a Platos combinados un aspecto programático, como un guiño a lo progresivo, que es una de las influencias claves en la música del trío. No obstante, dichas escenas son más un pretexto a partir del cual desarrollar la inter actuación entre los músicos, dando a las improvisaciones (toda la música fue improvisada) una especie de hoja de ruta, un contenido a partir del cual poder desplegarse en direcciones y sentidos abarcables, tanto para los músicos como para el oyente. Además, la suma de las distintas sensibilidades y procedencias de los músicos, enriquece el resultado. Angeli, con su improbable guitarra y su inesperado sonido, se mueve entre la música tradicional, el sonido más progresivo y la improvisación más abrupta. Agranov, con exquisita técnica clásica, proporciona los elementos más melódicos, con un ojo puesto en otras tradiciones y el otro en una estética más contemporánea. Roca, versátil y de adaptación rápida, proporciona toda clase de ritmos, más buscando la conveniencia temática que un estilo determinado. El conjunto es un disco sorprendente, un registro de su quehacer en directo. Que nadie espere, si tiene la oportunidad de verlos, ninguno de los temas aquí contenidos, pues a buen seguro se encontrará con una actuación totalmente distinta, aunque eso sí, con las mismas ideas y planteamiento. Germán Lázaro, Cuadernos de Jazz (May 2011)

 

Platos Combinados, el estreno del trío formado por el especialista en guitarra sarda preparada Paolo Angeli, el violonchelista Sasha Agranov y el baterista Oriol Roca, formación que atiende por el nombre de Piccola Orchestra Gagarin, es un disco conceptual en homenaje al mítico cosmonauta ruso. La música del grupo transita por los terrenos de la improvisación multi idiomática, territorio que está más allá de las formas y costumbres de lo que habitualmente se conoce por improvisación libre. Un terreno en el que hay melodías y ritmos marcados, e influencias múltiples que acuden desde terrenos tan dispares como el rock progresivo, la música tradicional, la música clásica, el jazz (más libre en unos momentos que en otros), y también desde la improvisación libre. Paolo Angeli tiene en su guitarra sarda preparada una máquina capaz de transmutarse en múltiples instrumentos: ora es una máquina creadora de ritmos, ora es un chelo; ora una guitarra, ora una máquina de hacer ruido. A veces, bastantes, es varios instrumentos a la vez, aunque en todo momento resulta una máquina de hacer música capaz de encajar y amoldarse a sus compañeros. Sasha Agranov se mueve con su violonchelo por la música clásica, el jazz o la libre improvisación. Oriol Roca con su batería y percusiones permanece atento en todo momento a sus compañeros, capaz de amoldarse a la perfección a sus necesidades. Uno de los posibles resultados de estos axiomas creativos en manos de estos tres artistas es Platos Combinados. Poco más de cuarenta minutos grabados en directo, en un suceso único, y no exclusivamente por lo irrepetible. Pachi Tapiz, Tomajazz (June 2011)

 

Ceux qui s’inquiètent de l’arrêt récent du programme de la navette spatiale américaine peuvent être rassurés, la relève est prête à entrer en action avec le trio Piccola Orchestra Gagarin (Paolo Angeli, Sasha Agranov, Oriol Roca). Les douze pistes sont très variés mais la fraicheur est omniprésente. On sent la bonheur d’être ensemble, de jouer, de creer et on imagine que le trio doit être excellent en live. Mais sur le CD il est déjà très bien. Ce trio n’est que de bonheur, et représente une étape intéressante dans la musique de Paolo Angeli, que je suives depuis quelques années maintenant. Ici, il a trouvé des complices à sa mesure, Roca est un batteur énergique et créatif. Un disque hautement recommandé, un voyage dans l’espace vraiment pas cher, merci au trois! Joël Pagier, Jazzman Magazine (October 2011)

 

Si la improvisación es una exploración del espacio sonoro, la Piccola Orchestra Gagarin se lo toma al pie de la letra y viste de astronauta. Orchestra que, de tan Piccola, es sólo de tres: el ruso Sasha Agranov (chelo), el sardo Paolo Angeli (guitarra sarda preparada) y el barcelonés Oriol Roca (batería). Fans del ruso Yuri Gagarin (en los bandos de la carrera espacial eligen –por paralelismo con las condiciones laborales del jazz- a la cenicienta), sobrevuelan paisajes del planeta musical en una combinación muy particular de vuelos de improvisación libre que pueden aterrizar, si el giro orbital de la inspiración lo permite, en la estación de la música tradicional sarda (de la que Angeli es un experto con libro). La particularidad de su instrumentación, la falta de prejuicios y su escaso sentido del ridículo (ni la Unión Soviética más decadente permitiría semejantes trajes espaciales), les permiten ser cercanos al público más refractario y dar luz a una música estelar que lo mismo vuela muy alto que levanta el polvo de las carreteras secundarias. Carlos Pérez Cruz, El Asombrario (April 2013)

 

Un nuevo grupo de música orbita por Barcelona con una propuesta que no tiene desperdicio. La Piccola Orchestra Gagarin hace honor a su nombre en todos los sentidos. Es pequeña porque son tres, pero suena como una original una orquesta (con instrumentos tuneados con tal intención). Y lo de Gagarin es un guiño al primer cosmonauta de la historia que se lanzó al espacio con la misma incertidumbre que ellos cuando suben a un escenario: nunca ensayan. Este trío formado por el italiano Paolo Angeli (guitarra sarda preparada), el ruso Sasha Agranov (chelo) y el barcelonés Oriol Roca (batería) acaba de publicar el disco Platos combinados, que es una auténtica gozada. Por cierto, tampoco ensayaron antes de grabarlo. Lo suyo es la libertad creativa sin aditivos. Pero si quieren alguna pista, que sepan que su estilo tiene tanto de pop de vanguardia como de free jazz, indie y música tradicional de Cerdeña. Pues nada, háganme caso y síganle la pista, aunque a saber por qué planeta andarán buscando inspiración. Núria Martorell, El Periódico (April 2011)

 

Registrazione in presa diretta e oculata scelta dei pard – si ripropongono nel disco della Piccola Orchestra Gagarin, un ensemble paneuropeo che Angeli condivide con il violoncellista russo (ma di origini ebree) Sasha Agranov e con il batterista catalano Oriol Roca. È la prima volta, a parte qualche situazione occasionale, che ci è dato di vedere Angeli all’interno di un vero e proprio gruppo; e innanzi tutto è bene capire, visto il suo ruolo polivalente, come un trio per numero di gambe e braccia sia a tutti gli effetti un quartetto, dal momento che lo strumento da lui utilizzato permette di ricoprire allo stesso tempo sia un ruolo melodico sia un ruolo ritmico. All’interno di questa situazione è poi interessante seguire il confronto / scontro fra il violoncello di Agranov e la chitarra sarda che di fatto è utilizzata anche come un violoncello. Per cui la situazione che ne deriva è piuttosto intricata e complessa. I caratteri della musica mi paiono di tradizione tipicamente mediterranea (presente nei geni di tutti e tre i musicisti), seppur rivista amorevolmente in chiave jazz, sia per quanto concerne i suoni sia per quanto concerne le melodie, e in tal senso riveste un particolare ruolo trainante la versione di un classicone della tradizione sarda qual è La corsicana (Corsicanskaya) che Angeli canta con quella passionalità messa in campo ogni qualvolta si cimenta con il folclore della sua terra. Ma la centralità attorno alla quale ruota il disco, come una navicella spaziale intorno alla terra, è di tipo più concettuale, e per afferrarla basta semplicemente osservare come sono vestiti i musicisti nelle immagini di copertina, o il nome stesso del gruppo e una scaletta che inizia con Rampa di lancio, prosegue con la storica espressione поехали (pojechali, cioè siamo partiti), con Keдp in orbit (il ‘cedro’ in orbita), con un Rave nell’anello di Saturno e si appresta a terminare presso la nota località russa Takhtarova… e può essere che non sia riuscito a cogliere tutti i riferimenti. I più riottosi alla comprensione, ma non credo ce ne siano, vadano poi a vedere cosa accadde 50 anni fa (12 Aprile 1961) e avranno tutto chiaro. (Sands-Zine, February 2012)

 

Nel piccolo palco sulla terrazza che sovrasta il Rifugio Comici, in Val Gardena, alle pendici del Sassolungo, con uno sfondo di incomparabile bellezza, sono atterrati, per la prima volta in Italia, i tre candidi astronauti della Piccola Orchestra Gagarin: Paolo Angeli, con la sua chitarra sarda preparata in costante evoluzione tecnologica ed espressiva, il violoncello del russo Sasha Agranov e la batteria del catalano Oriol Roca. Rispetto al disco registrato due anni fa, «Platos combinados», il trio mostra un affiatamento crescente, grazie al fatto che i componenti vivono nella medesima città, Barcellona, e suonano spesso insieme. La ben nota creatività di Angeli, insieme alle rilevanti doti tecniche ed espressive dei partner, che si sono conosciuti in Olanda dove entrambi studiavano musica elettronica, una buona dose di umorismo – i tre arrivano in scena con tute e caschi da astronauti, introdotti dalla voce registrata dell’astronauta russo -, l’utilizzo di materiali musicali di matrice popolare (un canto russo, la Corsicana in dialetto gallurese ribattezzata per l’occasione Corsicanskaya) intonati rispettivamente dalle voci di Agranov e di Angeli, inseriti in suite che alternavano parti composte e parti improvvisate con leggera naturalezza, tra free improvisation e riff di matrice rock, hanno convinto e deliziato il folto pubblico che ha raggiunto il noto rifugio. Vincenzo Fugaldi, Südtirol Jazz Festival (July 2012)

 

Penso che Paolo abbia goduto non poco, lui grande fan di Tom Cora e amante del violoncello a poter suonare con un musicista poliedrico come il russo Sasha Agranov. Da anni Paolo ha infatti aggiunto un altro ponte mobile alla sua chitarra sarda modificata in modo da poterla suonare con un archetto proprio come un violoncello. Ero molto curioso di sentire questo trio (Paolo Angeli, chitarra sarda modificata; Sasha Agranov, violoncello e loops; Oriol Roca, batteria) all’opera, il titolo di Piccola Orchestra prometteva già bene e l’aggiunta del nome dell’eroe dello spazio sovietico lo rendeva ancora più interessante. E le attese non sono rimaste deluse. I tre assieme letteralmente spaccano creando un disco di puro crossover post moderno assolutamente azzeccato e potente: non un solo calo di tensione per tutti i … minuti di durata del cd, un unico flusso musicale che si muove tra free jazz, contemporanea, improvvisazione, musica popolare sarda (eccezionale la versione della Corsicana con Paolo al canto), musica spagnola, russa e arabeschi vari.I tre sono eccezionali e si integrano benissimo tra loro: Oriol Roca è un batterista perfetto, flessibile e perfettamente a suo agio nei poliritmi e capacissimo di suonare anche al di fuori della pulsazione, una spalla perfetta per Angeli e Agranov che si disputano allegramente i territori del basso continuo e della melodia, saturando ogni spazio libero possibile e creando una corrente sonora in continua mutazione. Simbiosi perfetta, inter-play perfetto. Mai una sbavatura, mai una caduta di stile.Grande Paolo come sempre alla ricerca continua di nuovi territori e di nuove possibilità! Andrea Aguzzi, Italia Paperblog (February 2012)

 

Musica ed emozioni negli stazzi con la Piccola Orchestra Gagarin. Chiamiamolo stralunamento. È l’effetto a cui si viene esposti quando si ascolta la musica della Piccola Orchestra Gagarin, band che ha inaugurato a Tempio la XVIII edizione di “Isole che parlano”. Un’inaugurazione duplice, visto che a Tempio il festival, nato e cresciuto a Palau, non era mai arrivato. Un piccolo limite geografico ora finalmente superato. Per entrare nell’atmosfera del festival non poteva esserci proposta più appropriata della Piccola Orchestra Gagarin, quella che, per il curriculum dei suoi componenti, è una vera all stars band: un violoncellista, Sasha Agranov, che vanta collaborazioni con Patti Smith, un chitarrista, Paolo Angeli, inventore di una prodigiosa chitarra di cui va giustamente fiero, e Oriol Roca, talentuoso batterista catalano. Annunciato da uno speaker d’altri tempi (lo stesso che accompagnava le imprese spaziali dei primi astronauti sovietici), l’equipaggio della sperduta navicella della Piccola Orchestra Gagarin, munito di tute rigorosamente taroccate, ha calcato il suolo degli stazzi tempiesi con ironica marzialità. I tre viaggiatori dello spazio hanno raccontato a modo loro l’epopea di Jurij Gagarin, esaltando la figura del cosmonauta russo con un repertorio originalissimo. Non a caso, i tre concepiscono la musica come un “piatto combinato” nel quale si possono trovare gli ingredienti più disparati: la tradizione sarda, certe sonorità indie, suggestioni psichedeliche, il classico rimaneggiato e altro ancora. L’effetto garantito è il piacevole “stralunamento” di chi ascolta una musica (si pensi alla “Corsicanskaya”) di grande impatto e atmosfera. La Nuova Sardegna (September 2014)

 

Una giornata memorabile – l’ultima – che ha dato il sigillo in modo effervescente al trentennale della rassegna, iniziando con i numerosi concerti in altura, dalla Badia a Merano 2000 al Sassolungo, tra i quali si è distinto quello al Rifugio Comici, con Paolo Angeli, la sua eccentrica chitarra da lui stesso progettata, e la Piccola Orchestra Gagarin intenta a seguire percorsi insoliti e rapsodici, largamente improvvisati, tra il folklore sardo, la musica russa e i colori catalani. Giuseppe Segala, Alto Adige (July 2012)

 

“Platos combinados” és el títol de l’únic enregistrament, fins avui, del trio Piccola Orchestra Gagarin. Un títol que es correspon a la seva proposta. Plats combinats, que no precuinats. Plats combinats molt ben elaborats amb matèries primeres fresques i de gran qualitat. Plats combinats totalment saborosos. Són un collage viu, en moviment continuo i imprevisibles. Interactuen amb els principis de la dinàmica dels fluids. Agafen, mesclen, dilueixen, separen,…, i continuen. Viatgen per paratges múltiples i èpoques diferents, polvoritzen les lleis de la versemblança amb fina ironia surrealista. Música antiga, rock, barroc, música popular –africana, sarda, jueva,…-, jazz, electrònica, rock progressiu, psicodèlia de la cort del rei Crimson i improvisació, molta improvisació. Joan Cortès (June 2012)

 

La all stars band composta dal violoncellista russo-israleliano Sasha Agranov (collaborazioni con Patti Smith), il chitarrista sardo Paolo Angeli e dal batterista catalano Oriol Roca, ripercorre la missione del cosmonauta russo a bordo del Vostok 1, con un viaggio in forma suite, in cui i generi musicali vengono fatti a brandelli per essere riciclati in un avvincente mosaico. La Nuova Sardegna (August 2014)

 

Ai piedi del Limbara, l’avventuroso viaggio pioneristico del trio “Piccola orchestra gagarin” ha coinvolto e appassionato il pubblico presente all’anteprima della XVIII edizione del festival Isole che Parlano. Nell’area antistante la chiesa campestre della Santissima Trinità di Tempio Pausania si sono esibiti – con tute da astronauta taroccate – il violoncellista israeliano-russo Sasha Agranov, il chitarrista gallurese Paolo Angeli e il batterista catalano Oriol Roca. La loro musica ha sintetizzato i percorsi di tre musicisti onnivori, che scelgono la metafora del viaggio nello spazio e nell’arte culinaria, per accostare sapori differenti: episodi indy rock, pop d’avanguardia, jazz e musica tradizionale della Sardegna. Immancabile in scaletta il brano Corsicanskaya, la track album che accompagna l’avvincente video girato nel Can Maño di Barceloneta – pillole di bontà, tra calamari, sardine e triglie di scoglio – vero e proprio quartier generale del trio. Isole che Parlano (August 2014)

 

L’orchestra delle stelle. Nel 1961 Yuri Gagarin galleggiava per primo intorno alla terra. A 50 anni il trio Piccola Orchestra Gagarin (Paolo Angeli alla chitarra sarda preparata e alla voce, Sasha Agranov al violoncello ed Oriol Roca alla batteria) ricrea le stesse emozioni di quest’avventura nello spazio! Il Resto del Carlino (July 2012)

 

Per una volta inizio un post non con il titolo disco/nome band ma con un video. Prima una precisazione doverosa: non credo sia sotto licenza Creative Commons, con tutto ciò che ne consegue. Però trovo che questo video della Piccola Orchestra Gagarin possa essere un’ottimo biglietto da visita e una buona presentazione della band. Non so che impresionila visione di queste immagini possano dare ad uno spettatore, ma corrispondono in buona parte a quelle che mi ero ricreato ascoltando la musica di Platos Combinados. Atmosfere quasi “d’altri tempi” o anche d’altri luoghi. Tre viaggiatori che si incontrano in una locanda pubblica ed iniziano a parlare tra loro. Invece che le parole usano le note. Ciò che ne esce è un discorso unico, nuovo. Farina, uova e burro. Tre elementi decisamente diversi tra loro ma che si uniscono e ne esce una torta. Buonissima. E personale. Possono cambiare i dosaggi, e basta un minimo che si riconosca uscire qualcosa di nuovo, dove l’importanza non è tanto il fattore novità, una torta è pur sempre una torta, ma qualcosa di unico, che solo con quel dosaggio degli ingredienti momentaneo e personale che crea identità. Come al solito questo è uno di quei casi appunto in cui le etichette sono o troppo vaghe o troppo precise e rimandanti a qualcosa di immaginariamente completamente diverso. Indie rock, così anche li ho visti definire. Sicuramente hanno elementi di questo tipo. Indie lo sono, come chiunque non sia conosciuto a livello massivo. Rock possibilmente anche, richiami in tal senso vi possono essere. Di fatto non c’entrano nulla con l’immaginario comune dell’indie rock. Loro altresì si definiscono sperimentali ed improvvisativi. Altri due elementi che si possono applicare a tutto. Basti pensare ad un concerto jazz in cui di base si improvvisa e in cui si cerchi di uscire dagli standard. Ecco. Non è un disco jazz. Sembra quasi un viaggio. Magari dello stesso Gagarin. Lo spazio, la luna, le immensità interplanetarie. Ma… il tutto visto dal circolo di campagna negli anni sessanta. Televisore in bianco e nero, gente che il domani luna o non luna sarà sempre lì, gente che si ritrova per stare in compagna, per parlare, per suonare. E il cerchio si chiude. Col naso su immagini in bianco e nero, ascoltare questa chiacchierata composta da musica.

ps: una nota importante. La Piccola Orchestra Gagarin è formata da: Sasha Agranov, Russia (cello, loops); Sasha Agranov, Italia (cello, loops); Oriol Roca, Spagna (drums, objects). Il luogo Barcellona. Fede Marini, Canili d’Adda (March 2011)

 

Musica come divertimento dell’esplorazione: la Piccola Orchestra Gagarin .“Pronto Yuri? Sono Gagarin”. Comincia scherzosamente questa chiacchierata. Così come ha un lato di goliardia l’approccio alla musica della Piccola Orchestra Gagarin, trio con campo base (anzi, bisognerebbe scrivere base spaziale) a Barcellona. Formato da Paolo Angeli (chitarra sarda preparata), Oriol Roca (batteria e percussioni)  e Sasha Agranov (violoncello e sega ad arco). Un sardo, un catalano, un russo per una musica che nasce in tempo reale, con il divertimento e il senso dell’avventura che viene dall’esplorazione. Come faceva Yuri Gagarin, nume ispiratore e padrino ideale del trio. Abbiamo intercettato Paolo Angeli, uno dei tre astronauti protagonisti del video di Corsicanskaya, per un mese al primo posto della classifica di Allaboutjazz. Cristiano Sanna, Tiscali (March 2012)

 

La peripècia del cosmonauta soviètic és l’excusa amb la que tres músics de l’escena subterrània de la ciutat comtal van fundar un projecte que du precisament per títol Piccola Orchestra Gagarin, i que tot just acaba de publicar el seu primer treball: Platos combinados (Whatabout Music). Paolo Angeli, a la guitarra sarda preparada —un instrument que fins i tot ha seduït a Pat Metheny—, Sasha Agranov, al violoncel, i Oriol Roca, a la bateria, els membres d’aquesta singular aventura van presentar la bona nova en un concert al Robadors 23, ara fa un any i escaig, i van enregistrar el CD en directe uns mesos després al Convent de Sant Agustí. Un altre personatge de la perifèria jazzistico-barcelonina, Dave Bianchi, va posar el seu segell discogràfic al servei dels gagarians. El disc es presenta avui, 14 d’abril, al Jamboree. I en què consisteix l’aventura gagariana? Doncs en un viatge astral per etapes, amb paisatges i passatges concatenats, a mig camí entre l’avantguarda, la música improvisada, la dolça foscor progressiva i, fins i tot, el folklore sard. Pel camí, trobem fragments deliciosos fruit de les escomeses líriques d’Angeli amb el seu particular instrument; apunts que han fet de l’italià un dels músics més reputats de l’escena del jazz d’avantguarda a nivell internacional, que l’han dut a compartir taules amb Fred Frith, Antonello Salis o Hamid Drake. Música celestial, en el sentit més opac del terme, profunda, bella i esfereïdora alhora, assaonada per la tímbrica incisiva de l’israelià-rus-ravaler Sasha Agranov —un violoncel·lista conegut pels lectors de Jaç per la seva tasca al servei del grup Selva de Mar, citat molt tangencialment a Enderrock.cat per posar les seves cordes al servei de Patti Smith—, i per la pulsació filosa del bateria Oriol Roca, un timbaler que ha posat el seus cuirs i platerets al servei de molts jazzmen comtals. Martí Farré, Vilaweb (April 2011)

Oriol Roca Trio

ORIOL ROCA TRIO

 

GIOVANNI DI DOMENICO: piano

MANOLO CABRAS: double bass

ORIOL ROCA: drums

 

It’s an uneasy serenity Oriol Roca settles into on his new recording Mar.  All of the ingredients necessary for a strong dose of tranquility are present: melodic fragments suggestive of possible endings, the murmur of percussion like slow, easy breaths while dreaming, and highly-charged, vivid imagery.  But the drummer, along with his trio of pianist Giovanni Di Domenico and double bassist Manolo Cabras achieve a tone that is subtly ominous and reveals a strange beauty. Bird is the worm (USA)

 

The Barcelona percussionist ORIOL ROCA has performed alongside some of the best improvisers and composers of creative music in Catalonia, as well as collaborating with figures like the Italian Paolo Angeli and Norwegian Jan Bang.But this is the first time Roca leads and writes music for his own band. He is accompanied by two old comrades, the pianist Giovanni di Domenico and the double bass player Manolo Cabras, two Italian musicians based in Brussels.

 

The natural communication between them – built after more than fifteen years playing together – is the perfect canvas for Roca’s music, that demands subtlety and a strong musical personality. The pianist Giovanni Di Domenico (Nate Wooley, Arve Henriksen, Jim O’Rourke) and double bassist Manolo Cabras (Charles Gayle, Erik Vermeulen, Enrico Rava) are two of the most personal voices on the European jazz and improvisation scene. Together they form a trio built on complicity, risk and friendship.

 

Oriol Roca is now débuting as leader and composer with a record of high emotional intensity, sometimes serene and at others volcanic, where north is always the melody. The debut album Mar is released by Belgian label el NEGOCITO Records, a Ghent based label focused on alternative and improvised music.

 

“Oriol Roca est de ces batteurs qui nous démontrent, par cette grande sensibilité qui le caractérise à la fois comme musicien et comme compositeur, que l’art de la percussion consiste à souligner l’impulsion d’une musique, non de taper sur quoi que ce soit. ‘Mar’ est un album gorgé de plaisirs éphémères, une musique qui prend le temps d’être concise, pour aller à l’essentiel et ne dire les choses qu’une fois.” Citizen Jazz (FR)

 

Un trabajo pausado, plácido y envolvente, que requiere su escucha atenta Tomajazz (ESP)

 

Oriol Roca est un batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles Claude Loxhay, Jazzaround  (BE)

 

I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest Bird is the Worm (USA)

 

Oriol Roca rebondit d’une rythmique à l’autre, colore plus qu’il ne percute, dessine des mouvements d’air plus qu’il ne structure Diane Gastellu, Citizenjazz (FR)

 

 

 

 

www.elnegocitorecords.com

VIDEO / AUDIO

 

 

 

 

 

 

 

DISCOGRAPHY

 

Manolo Cabras & Basic Borg

MANOLO CABRAS & BASIC BORG

Basic Borg started as quartet, out of a recording in september 2005 in The Hague. It was the consequence of a natural connexion between four musicians that seemed to share a common way of responding to the music. Only in April 2009, the saxofonist Riccardo Luppi joins the group; finding immediatelly a natural spot in the sound of the band. Nevertheless the group’s acoustic sound (in addition of a small range of electronics), it is capable to produce a large divirsity of colors. Inspired by bands such of Miles Davis, Ornette Coleman, Wayne Shorter… and the modern european jazz music, the quartet has its own particular sound. Their repertoire exists out of original compositions, as well as free improvised music. It’s a band where each of the musicians’ personal contribution is crucial to its sound. Exploring their own boarders everytime they play.

 

MANOLO CABRAS (IT) – double bass
LYNN CASSIERS (BG) – voice, fx
MATTEO CARRUS (IT) – piano and keys
RICCARDO LUPPI (IT) – tenor, soprano saxophones
ORIOL ROCA – drums

AUDIO

DISCOGRAPHY

PRESS

The group bassist Manolo Cabras brought together for a shot at El Negocito label, combines such spirits who remain radically rebelling against obviousness in the musical life they lead. Lynn Cassiers is not just the sympathetic and fragile singer which one could respect her, she is much more. Cassiers enchants, hypnotizes and oppresses her meticulous vocals from a psychological ingenuity witnesses where several colleagues a tip can suck. Riccardo Luppi rips repertoire like from the inside open and Oriol Roca on drums refuses to be a flowing stream which his companions could float carefree. The piano and keyboards Matteo Carrus expired as the percussion in fits and starts, from top to valley, from confirmation to denial, the tension constantly entertaining and groundbreaking for an untapped area.
The album’s title is anyway not stolen. “I Wouldn’t Be Sure” is what the musicians constantly communicate to each other: simply land on his or her feet is indeed a fact that none of the quintet members are interested. Each song is a re-scan of the darkness: starting with a tabula rasa, and slowly but surely be signed by the comments which the instrumentalists provide their companions. Especially in the longer tracks, where the time is taken to solo material as it were to be fertilized by the collective, the quest is captivating to follow. Precisely because there is no key exists to the fairytale of Manolo Cabras and Basic Borg, is a forest where is fine to get lost: for as the conceptual framework is composed of “right” versus “wrong” way – why would not every turn permuted ?
What if ‘I would not be sure’ is about the poetry of freedom? When rigid harmonic thinking and the structural development of compositions equally are putted aside, it becomes possible to return from the intuition voice, electronics and acoustic instruments to move towards each other. Silence and cries that remain unanswered are the white lines of the poem that this album is, places where it is up to the listener to complete the picture or to get a moment to breathe. Of course the lookout for the elusive one job to beaches where he also started: this album also reached no illuminating lock. These five unleashed brains understand, however, that the way are the soul of the experience. A more beautiful tribute to the libertarian principles of jazz seems hard to imagine. Jan-Jakob Delanoye, Kwadratuur (May 2013)

 

Cet album nous emmène dans des sphères différentes. La voix de Lynn Cassiers, les effets électroniques que la jeune chanteuse gère, la contrebasse et les compos de Manolo Cabras, le sax free de Riccardo Luppi, la batterie d’Oriol Roca et le piano de Matteo Carrus se conjuguent pour nous offrir une musique nouvelle, sensible, intelligente pour une nouvelle ère. Jean-Claude Vantroyen, Le Soir (January 2013)

 

Intriguing title for an intriguing piece of Italian bassist settled in Belgium who is best known as a sideman for Erik Vermeulen, Ben Sluijs and Manu Hermia. The group’s name refers to the enemies of the Star Trek crew. Sounds from the cosmos are also here and slid between the folds courtesy of vocalist and “electronic diva” Lynn Cassiers. The quintet plays music and is hovering above on quite openly in the gray area between free improvisation and with the important rule: Treat your fellow musicians getting their own way. Somewhere between Bobo Stenson, Ornette Coleman and Miles Davis Live At The Plugged Nickel but transposed to the 21st century. Pieces of pure spiel canals threading the ideas flow together. The remarkably warm sound you get is a bonus. The very strong narrative structure with perfect center piece calling for a vinyl release. Georges Tonla Briquet, Jazzmozaiek (April 2012)

 

Basic Borg résulte d’un étonnant carrefour de rencontres. D’abord, celle de la vocaliste Lynn Casiers qui s’exprime dans un jazz expérimental aux frontières du rock alternatif, de l’improvisation comme de la musique électronique et dont le talent innovant s’est notamment illustré au sein des groupes Lidlboj du claviériste Jozef Dumoulin (album Trees Are Always Right en 2009) et Octurn du saxophoniste Bo van der Werf (7 Eyes en 2009) mais aussi au sein de son propre quartet avec le pianiste Augusto Pirodda et, déjà, Manolo à la contrebasse. Ensuite, la rencontre avec l’expérimenté saxophoniste italien Ricardo Luppi qui a collaboré plusieurs fois avec Nexus, l’une des meilleures formations italiennes (notamment pour We Did It, en hommage à Roland Kirk) mais qui a aussi enregistré à son nom, avec ses amis Daniele Cavallanti (saxophone ténor) et Tiziano Tononi (batterie), un très original Homage to Duke Ellington (un album chroniqué en 2003 dans le magazine Jazzaround). En 2006, ce saxophoniste avait fondé le groupe Mure Mure en compagnie de Manolo et, par la suite, de Lynn Cassiers. Au piano, on retrouve Matteo Carrus, jeune instrumentiste italien qui a notamment joué avec le trompettiste Mario Massa avant de rejoindre Basic Borg en 2009 pour des concerts au Sounds et au Negocito de Gand. Enfin, à la batterie, on retrouve l’Espagnol Oriol Roca que l’on avait découvert, en compagnie de Manolo, au sein du trio de Giovanni Di Domenico et qui a vite rejoint Basic Borg. Au répertoire du quintet, six compositions originales de Manolo, deux de Lynn Cassiers, une de Matteo Carrus et deux compositions-improvisations collectives (le très court duo entre percussions et effets électronique de Scalar’e Bottulusu et It Should Be There sur lequel saxophone ténor et piano dialoguent avec une voix comme en écho dans une atmosphère très mystérieuse). La musique proposée par Manolo et Lynn marie, avec une réelle originalité, tradition (des lyrics chantés d’une voix limpide comme sur I Wouldn’t Be Sure) et modernité (vocalises modulées par des effets électroniques comme sur Game Over ou Ti Ricordi) et mélange, avec audace, musique mélodique très intimiste (G Whatever ou ce Plaça de Cristo Rey avec un beau dialogue entre piano et contrebasse) et fulgurances free (avec un ténor rageur et effets électroniques comme sur Pronti, Partenza, Via). Chacun devient soliste à son tour (très belle intro de contrebasse sur Dolce ou de piano sur A Ciascuno il Suo) sur la riche trame rythmique d’Oriol Rocca, batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles. Voilà assurément une musique innovante, fruit d’une démarche très personnelle, qu’on se réjouit de découvrir en concert. Claude Loxhay, Jazzaround (December 2012)

 

Bassist Manolo Cabras comes from Sardinia but has now found a permanent home in the Belgian jazz scene. His band Basic Borg appeared late last year the album “I Wouldn’t Be Sure”, featuring Riccardo Luppi alongside saxophonist, pianist and drummer Matteo Carrus Oriol Roca, also Lynn Cassiers as a singer and supplier of all kinds of electronics. Manolo Cabras is a great bassist, a beauty of an improviser. On ‘I wouldn’t be sure’ he delivers most compositions that serve as starting point for improvisation and freer sound experiments. Despite the electronics Lynn Cassiers, the music of Basic Borg remains yet very close to the jazz tradition. Beautiful is the back-and-forth game between the rhythm section, but also between the two voices (Lynn Cassiers and veteran Riccardo Luppi). A band to be listened live. Jeroen Revalk, Cobra Magazine (March 2013)

 

Ma al di là delle singole personalità è il suono della band che affascina l’ascoltatore e fa di I Wouldn’t Be Sure una bella testimonianza di come il linguaggio del jazz possa rinnovarsi con freschezza e creatività. Vincenzo Roggero, All About Jazz (April 2013)

Mut Trio

MUT TRIO

MIGUEL FERNÁNDEZ: tenor and soprano saxophone
ALBERT JUAN: electric guitar
ORIOL ROCA: drums

MASA KAMAGUCHI: double bass (on last album)

 

“A long-standing Barcelona trio with a unique and idiosyncratic style and a repertoire that combines semi-composed themes with quirky improvisation, that somehow manages to unite elements of free jazz with more conventional stylings.” Jazz Journal (UK)

 

On the Barcelona scene (and beyond) the leaderless MUT Trio has a unique and idiosyncratic voice. It’s a voice that combines sparse structures and eloquent improvisation. A voice in which space and silence are equal partners alongside the instruments. It’s a voice that continues to evolve on this, their forth recording.

 

The MUT sound still features Miguel Fernández’s agile tone and minimal, fragmented phrasing, Albert Juan’s infinite textures and melodic refraction, and the cymbal-infused percussive landscapes of Oriol Roca… but with the addition of occasional live collaborator Masa Kamaguchi on bass, the sonic palette has broadened a little. Yet in bringing this deeper timbre, Kamaguchi is at home with the ‘less is more’ MUT philosophy and adds a variety of string-rattling subtleties without the slightest injury to MUT’s trademark mesmerising flow and cliché-free clarity.

 

MUT Trio is about melody. Often partial, splintered even; tuneful shards are repeated, turned over, given fresh response, pushed through the looking glass, creating unpredictable journeys for the listener. From the precision and pace, to the hint of the souk, or the folk-ish roots of their music… some possibilities only become apparent (or possible) once in motion, and MUT are in constant motion.
It’s been said before – notably by Ornette Coleman – that you cannot intellectualise music without diminishing it in some way, what really matters is the emotional response. MUT Trio’s music is primarily an emotional endeavour: curiosity, melancholy, joy (from quiet to fierce), liberty, wonder, and warmth, this is music alive with feeling.

 

Formed in Barcelona on 2009, MUT is a trio without leaders. A band that works on a land located between the composition and improvised music with a repertoire of songs that appear spontaneously connected by improvised sequences, all of them connected as a recitative. The order in which the songs appear is completely random, so that’s the band premise: make music happen by itself putting the sound of the three instruments at its disposal. Occasionally the trio is joined by bass player Masa Kamaguchi and Manolo Cabras.

AUDIO

DISCOGRAPHY

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It’s criminal, really. A long-standing Barcelona trio with a unique and idiosyncratic style and a repertoire that combines semi-composed themes with quirky improvisation, that somehow manages to unite elements of free jazz with more conventional stylings… and their 27 April 2015 gig at Robadors 23 begins with an audience of four. Now, granted it’s a Monday night but come on, Barcelona – make an effort, please!

Having got that off my chest, I have to admit that there was something special about being part of such an exclusive event; and certainly, the small size of the audience didn’t seem to dampen the spirits on-stage who dealt out nearly an hour and a quarter of exquisite music…

One thing the MUT Trio does not do is hurry. In fact, time seemed to slow in the presence of Tito Juan’s atmospheric chording and lingering single notes. Roca enters the picture with some muted sound-making as he runs plastic bags, shells (I think) and other objects over the drum kit. Fernández stands apparently waiting, inactive, with the horn hanging slackly… but faintly the subtle percussive sound of fingers on saxophone keys can be heard. After a single sonic swipe, languorous melodies begin to emerge from Fernández’ tenor, as Roca immerses himself in his own rhythmic world, and Juan commences a series of dissonant and angular interpolations (in the mathematical sense rather than the musical). It’s a four-way impressionistic soundscape in which silence plays the fourth hand – not for nothing are they named “mut” (Catalan for mute).

Then Fernández adds a brief touch of Coltrane’s tone (I’m pretty sure I imagined it, but for a second there I thought he quoted a fragment of A Love Supreme…) and at the same time, Juan dials up the distortion on his Fender amp – there’s an instant of juxtaposition and then a rapid and complete dissolution leaving Roca’s drums to gently fill the quiet. There’s a constant and spiralling progression happening here which nevertheless feels freeform in nature; ever-evolving, never resolving.

The audience swells to six as another theme commences. The tenor drones and weaves, with a subtle hint of North Africa about it, waiting for the guitar (a rather stunning Paul Reed Smith, by the way) to begin a muted engine-like vibrating rhythm. Roca enters into another complex and unpredictable series of patterns which would serve most other drummers as a solo, but here it’s simply his agile contribution to the landscape. There’s definitely something about the febrile intimacy of these tunes which suits the close environment of Robadors 23. A little later on, Juan digs in with an overdriven tone and Fernández joins him in a simple ascending riff, played in unison, and the combined sound of guitar and saxophone can be felt directly to the chest, not just the ears – a sublime and practically telepathic moment.

MUT trio – if you thought about going and didn’t, you should have. Dave Foxall, Jazz Journal UK (May 2015)

 

A few years ago, I reviewed (favourably!) an album by the Miguel Fernández Quintet (“Transplanet Species”), I think it even made my Top 5 of 2011 list for Jazz Journal. I still play that disc every now and then and I was keen to finally hear Miguel Fernández play live and find out what he’s into these days. The answer seems to be something a little more abstract than his Quintet fare and none the worse for it. Adjectives that occurred were: painterly, impressionistic, moaning, dissonant, minimalist – all good words and an indication that the MUT Trio were overcoming the sterile atmosphere of the venue! MF’s sax was questing in its ebb and flow; Oriol Roca’s drums were busy yet delicate, playing the ‘whole kit’ for the broadest possible sonic palette; Albert Juan’s guitar was primarily textural and bass-heavy, adding washes of sound to the backdrop. The verdict? A mature-sounding improvising trio eschewing the relentless blowing of clichéd free jazz in favour of something more sophisticated, transporting, and no less free-sounding. Dave Foxall, A Jazz Noise (January 2015)

 

“Hace unos años y como fruto de unas sesiones sin otra finalidad que la de tocar por diversión, Fernández, Juan y Roca decidían prolongar la vida de aquel encuentro y formar el trío MUT. En 2010, el netlabel Whatabout Music publicaba en su web y en descarga libre su primer trabajo, el mini LP 1374 apenas un cuarto de hora de música pero en la que ya se vislumbraban las principales características de su música. El presente trabajo, segundo y de mayor duración, prosigue el trayecto exploratorio del anterior, profundizando en algunas cosas que tan sólo quedaban apuntadas en su predecesor, y aportando nuevas perspectivas al quehacer del conjunto. Una de las primeras cosas que hay que señalar de ellos para aquellos que no los conozcan es que se trata de una formación integrada por tres músicos de distinto pelaje. Por ejemplo, el navarro Miguel Fernández es un saxofonista eminentemente bopero. Su toque es claramente pos-coltraneano, y desde ahí sabe plantarse en esos terrenos indómitos que requiere el trío en muchos pasajes (cosa que no saben hacer muchos de su misma y exigente escuela, nacionales y extranjeros), y estoy pensando en sus caracoleos en el tema Deimos. El guitarrista Albert ‘Tito’ Juan, es un tipo que se mueve en un terreno estético escurridizo: me fascina su toque cool, pero lo es sólo a medias (¿cool reluctante?). Y finalmente Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti, también en descarga libre en Whatabout Music), que naturalmente aquí también aplica, y que jamás reniega de género o recurso alguno. 2395 es una confitura de frambuesa (¡más fruta roja!), oscura pero dulce. Tiene unsurrealisme faible, leve y suave; música que parece estar urdida más con ideas extramusicales que con plantillas jazzeras. Y, no obstante, lo que escuchamos es jazz; un jazz en su acepción más contemporánea (no hiramos susceptibilidades). Ahí tenemos esa original versión que hacen de Oh Bess, Where Is My Bess, de Gershwin, o algunas de las fabulosas (de fábula) composiciones de Juan, como Apaga el cielito lindo o Insider, o la introspectiva Mutea de Fernández. Pero, más allá de esto, es esa yuxtaposición de modos que mencionaba antes lo que da al MUT Trio ese toque tan particular, tan interesante y tan sugestivo. Tan de ellos (y permítaseme aquí hacer un inciso, y es que es en sus directos donde lo dicho hasta ahora cobra todo su relieve: cosa que podemos apreciar aquí en parte en los tres capriccios, totalmente improvisados).” Germán Lázaro, Cuadernosdejazz (April 2012)

 

Dentro de lo que es el calendario semanal, el lunes puede y debe ser el mejor día para descubrir cosas. En el caso del MUT Trio no es un descubrimiento absoluto, pues ya llevan un par de años funcionando, y si no se les había visto en alguna de las pocas actuaciones que habían ofrecido, ahí había un MySpace con un puñado de temas para hacerse una idea (temas todos que formaban parte de su primer disco, 1374 , en Whatabout Music). La otra noche, además de inaugurar los “lunes de free ” de la sala Robadors 23 para el curso 2011/2012, el trío aprovechó para presentar el que será su segundo CD, un disco que en breve existirá físicamente gracias a un nuevo sello bilbaíno. Vayamos con el trío MUT, “mudo” en catalán, un nombre que ya nos refiere al silencio, a estar callado (como aquella música de Mompou), y por tanto a calma, quietud antes que ajetreo. Desplegaron su equipaje musical sin exhibicionismo. Más bien como los niños muestran los juguetes de su caja. Hubo una ingenuidad que resultaba reconfortante. Los bloques musicales, temáticos y estilísticos, se sucedieron con naturalidad, sin retórica alguna, a veces descuidadamente, lo que propició algunos saltos y conexiones abruptas (de agradecer, para mí). Como quien encuaderna una serie de dibujos sin un mismo asunto. Los temas más desarrollados se abrochaban entre sí con otros que surgían y en los que, a su vez, se adivinaba el embrión de otro posible tema. Su sentido de la improvisación fue totalmente de juego, naíf, desprovisto de gravedad y sin caminos hacia el interior. Con todo, hubo algunas intervenciones de Fernández muy agitadas, con rabiosas aliteraciones, en las que sí parecía que se nos abocaba a alguna profundidad. Su papel de solista le mantuvo entrando y saliendo de escena, a veces con dramatismo pero nunca excesivo. Por otra parte, Juan y Roca estuvieron constantemente emparejados, creando bases con el punto de consistencia necesario. Abundaron las figuras rítmicas de Roca, cercanas pero de difícil adscripción y sin excederse en la duración, lo que fomentó en todo momento el dinamismo en el discurrir general. Fue un concierto sencillo, encantador por momentos y con una notable producción de ideas. Un inciso final. Así como en mayor o menor medida conocía el trabajo de Fernández y Roca (y especialmente el de este último) y me gustaba, no había escuchado nunca al guitarrista y la verdad es que quedé prendado de su toque. Con la sonoridad nítida de la guitarra de caja y con una técnica muy pulcra y clara, sin emborronamientos, llevó a cabo un trabajo imprevisto y, al menos para mí, sorprendente. Acordes que se mostraban limpios pero sonaban misteriosos. Solos punteados con parsimonia, no excesiva en este caso. Lentitud proverbial. Lógico sin resultar convencional. Manejando un vocabulario jazzístico pero derivándolo a otra parte. Y, tanto en los acompañamientos como en los momentos en que cobraba más relieve, especialmente en los dúos con Roca (doom cool???).” Jack Torrance, Tomajazz (October 2011)

 

Este trio de música improvisada, así es como se definen, se adentra en una faceta poco habitual del jazz. Tenemos ante nosotros el segundo trabajo de este singular trio formado por Miguel Fernández al saxo tenor, Albert Juan con la guitarra eléctrica y Oriol Roca a la batería. “Mut” significa mudo en catalán, imagino que algo tendrá que ver este significado con el misticismo libre de este álbum. El trio se formó en el año 2009. Y de los esporádicos ensayos surgió la idea de registrar esta música. La utilización de recursos literarios como medio de inspiración para la improvisada formación, es uno de los pretextos principales de “MUT trio / 2395”. Los tres componentes de este trío llegaron a las puertas del sello bilbaíno Moskito Records. Allí aceptaron esta atrevida propuesta, la cual yo tampoco dudaría en apoyar. Con los tiempos que corren, las discográficas se lo piensan más de dos veces antes de editar un disco. Desde aquí les lanzo una propuesta: “apoyen los vinilos, que jamas se fueron y que ahora recuperan adeptos día a día”. Creo que son la solución, por este motivo MUT trio /2395 también se edita en vinilo, pero no es un vinilo cualquiera, es un vinilo blanco. El resplandeciente trío, utiliza el trampolín del free jazz despiadado, para llegar a una optimización de su música, con la intención de que los jazzmans de a pie se sientan cómodos y sensibles, a los kafkianos acordes. Hace ya unos cuantos años, Ornette Coleman pasó por los escenarios del norte de España. En un primer concierto, apenas habían 30 personas, la excusa fue que no se entendía lo que tocaba. Unos cuantos años más tarde, se supo que el posible causante de todo era la ignorancia, Ornette Coleman pasó a ser moda. El free jazz, hay que escucharlo y desgranarlo, analizarlo sin buscar más allá. Es como el arte abstracto, que te gusta o no te gusta. Con una sugerente carátula este nuevo álbum de MUT trio, denominado 2395, ha sido grabado más para ser escuchado, que para ser tocado. Por cierto, la numerología que da nombre al disco, “es muy significativa para nosotros”, nos comenta Miguel. Lo refleja la frase de la contraportada escrita por German Lazaro aka Jack Torrance: “Bajo el manto salado, tras los campos cereza, una es dos, también tres lo fue”. Saxsounds Magazine (March 2012)

 

3369…tiene que ser algo más que una cifra. Es una serie numérica que esconde quizá una regla mnemotécnica: 3+3=6 +3=9… El 3 como base en un planteamiento aritmético, pero también geométrico: 9/3= 3… Este consolidado trío, que se fundó en 2009, sorprende desde la primera escucha. En él se alternan piezas cortas con largas en un orden que anticipa un uso narrativo o, por qué no, combinatorio, que es cómo las matemáticas cuentan una historia con algo de azar. No vamos a negar, ni creo que sea la pretensión de los músicos, que existen inevitables vínculos de filiación con el sonido y el espacio del histórico de Motian-Lovano-Frisell. Puesto que sería difícil abstraerse a su fuerza gravitaroria con este formato e intenciones, construyendo ese lirismo desvaído, ese nervio cruzado y metálico entre planos en suspenso. Saxo, guitarra y batería, mil formas de conjugar química y física desde las matemáticas. Habla MUT de textos literarios al referirse a sus temas, una intención narrativa que parece sujetarse con “If I only had a brain”, pieza lo suficientemente evocativa (El Mago de Oz, Bill Frisell y Elvis Costello) para posibilitar un inesperado espacio de “realismo mágico” a “Jalisco no te rajes”… Y es cierto que se aprecia un cierta intención de relato traído al mundo oral más espontáneo de la improvisación, como también sucedía con el trío de Motian en aquél primer disco que tenía -no por casualidad- el literario título de It should have happened long time ago… Pero esto es sólo el comienzo que sirve para situarnos en lo dicho, en un sonido y un espacio de aperturas y ángulos, de planos y climas, aunque también de líneas que pueden sugerir el lenguaje de Ornette Coleman (esa aparición de “folclore” antes que standards) o incluso, en esa estructura lineal acabada aunque no evidente, por Lee Konitz. Pero la lectura es otra, porque el relato ya no es el mismo aunque tenga un prólogo conocido. Un grupo a seguir.” Jesús Gonzalo, Tomajazz (March 2014)

 

“La teoría de cuerdas pone de manifiesto que cualquier objeto puntual en realidad está conectado con un todo, con un global, al que está unido mediante vibraciones o alteraciones de la materia”. Estas vibraciones bien pueden producirse mediante la música, como la que hubo el pasado domingo por la tarde en el Centro Cultural del Matadero. MUT Trío es una banda de free jazz improvisado compuesta por Albert Juan a la guitarra, Oriol Roca en la batería y Miguel Fernández como líder y saxofón tenor y soprano. A este trío y con motivo de la gira en la que se encuentran inmersos se les ha unido el virtuosísimo contrabajista Masa Kamaguchi, todo un lujo poder contar con un músico de esta talla, pero para ser justos, los cuatro músicos eran realmente buenos y es lógico, improvisar no es sencillo. La improvisación no existe, o quizá sí, pero no deja de ser una explosión creativa en el mismo instante, y esta explosión se basa en nuestro subconsciente, en nuestro todo, de nuevo revisando la teoría de cuerdas para buscar una melodía, un fraseo, pasarlo por la deconstrucción del free jazz y lanzarlo al mundo. Para esto hace falta un amplío conocimiento musical de modo que uno pueda estar en distintos estados a la vez. Aparte que la improvisación no es sencilla, tampoco es fácil hacerse entender con otros tres tipos en una jerga que estás pactando en ese momento. Con ello se alcanzaban grandes cotas de belleza, aunque los cenits en alguna ocasión venían precedidos de frecuencias de búsqueda, inquietantes, delicadas, buscando el hueco por el cual los cuatro podían comunicarse con todo el público. De esta manera se pudo llegar a escuchar una versión deconstruida en modo free jazz del popular tema “Ay Jalisco no te rajes”, uno de los instantes más bonitos y curiosos de todo el concierto. Además, aprovechando el silencio sepulcral que se forma en casi todos los conciertos que se celebran en el Centro Cultural del Matadero, generaron una pausa que casi pareció una versión del tema 4’33’’ de John Cage, para poco a poco ir adentrando los instrumentos hasta formar una nueva frecuencia efervescente y brillante, un brillo tan intenso que parecía estar roto. Durante hora y media estuvieron dando un repaso a todos los espectros del jazz, desde la pausa en la que se oían todos los movimientos de los músicos hasta la efervescencia más epiléptica, incluso las dos seguidas, pausa/ritmo/pausa. El jazz es un terreno de exploración y conocimiento. Para terminar el concierto, Miguel Fernández cogió el micrófono para agradecer a todo el público la asistencia, presentar a la banda e interpretar una última pieza con la cual se despidieron tras un largo aplauso de todos los asistentes. Una despedida a la que se une la programación musical del Centro Cultural del Matadero, pero tranquilo, es sólo hasta septiembre, hasta entonces tocará inventarse algo o escuchar más jazz, el estilo de música más bello después del silencio.” Antonio Romero, Agitado pero no mezclado (June 2014)

David Mengual Slow Quartet

DAVID MENGUAL SLOW QUARTET

Composer, big band leader, arranger and double bass player, David Mengual is a versatile, polyvalent musician with a faultless knowledge of the many registers of the language of jazz. Mengual’s Slow Quartet serves as an antidote to the hectic pace of modern times and the noise of everything that deafens us.

 

This band could be the inheritance of Mengual’s previous work Maitia, with new original pieces written with the aim of offering an excuse to project the personality of each and every musician and turning it into a slow, sincere and ephemeral dialogue.

 

DAVID MENGUAL: double bass
MIGUEL “PINTXO” VILLAR: saxophone
TONI VAQUER: piano / DANI PÉREZ: guitar
ORIOL ROCA: drums

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DISCOGRAPHY

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“No se llega a la verdad añadiendo sino cercenando”, decía poco más o menos un aforismo de las Notas sobre el cinematógrafo de Robert Bresson. Y esto, la otra noche pero en general en todo lo que propone David Mengual, es de lo más pertinente. Cuando hace unos años sacó el doble Mosaic, con un disco en versión de trío y otro con los mismos temas en versión de noneto, me gustaba más el primero. Era más esencial. Más ajustado –creo yo– a la idea de las composiciones.

La música de su nuevo cuarteto es realmente calmada. Crece lánguidamente. En ocasiones tortuosamente. Siempre manteniendo unos biorritmos muy bajos. No diré en letargo, pues eso daría a entender que en cualquier momento podían salir de él y recuperar el pulso habitual de las cosas, y eso nunca me pareció que pudiera ser. No tuve nunca esa impresión, pues la determinación que hay en la música de este cuarteto es clara e inequívoca: no quieren participar de lugares comunes, de soluciones o recursos típicos, por lo que no encontraremos crescendos ni diminuendos ni ciertos planteamientos.

La música de Slow Quartet es espaciosa, amplia y en cierto modo flotante (cualidad que a veces va adherida a las anteriores así como a la lentitud). Como una sábana extendida al viento a la que le cuesta posarse en tierra. Y en medio de esa holgura se encuentran los cuatro músicos que, por cierto, son bien distintos entre sí. Y esto hay que decirlo, pues Mengual parece haber reunido a su alrededor a tres instrumentistas que tienen unas características y una visión sensiblemente diferentes. ‘Pintxo’ Villar tiene un sonido leñoso y contenido, que elabora con ahínco y con el que trata de evitar emitir más destellos de los que se precisen, más empatía de la que no sea necesaria, restando ese “brillo” típico/tópico del tenor que permite entrar en esas dinámicas de “guiños facilones”. El pianismo de Toni Vaquer, al que creo que no había escuchado antes, tiene algo de minimalista, en el propio toque y en las figuras nimias que va creando como si fueran pañuelos de seda, dibujos que se pliegan y vuelven a dibujarse sobre el trazo anterior (no olvidemos que una de las grandes influencias de los minimalistas americanos La Monte Young, Riley o Reich era precisamente el jazz). Escuchándolo a veces pensaba en Nichols o Waldron, pianistas que deberían estar más presentes aquí y en todas partes. Respecto a Oriol Roca, decir que siempre me ha parecido más un percusionista, o al menos que dentro de su labor como baterista privilegia técnicas y recursos que serían más propios de un percusionista: los timbres, el extraer el sonido físico de los parches (con las manos, por ejemplo), el hecho de que juegue siempre con tipos de ritmos muy diversos. Todo ello lo aleja del swing, sí, pero contribuye a elevar las músicas en las que participa a un estadio mucho más sugerente. Y finalmente el propio líder, Mengual, que quizá tenga algo de todos ellos y aún otra cosa más: parece tocar como piensa.

Con este punto de partida, el cuarteto de Mengual hizo cinco largos temas cuyos títulos expresaban una cierta perplejidad y malestar: “Març” (si no lo entendí mal se trataba del mes de marzo, un mes que a mí no me gusta mucho), “Sistema inmunológico”, “Masticando arena” (sobre las impresiones que se tienen al tomar contacto con los media y la real politik), “Marco incomparable” (dedicado a Marco Mezquida) y “Terapia” (que venía asociado con otro tema de Vaquer). La impresión final que tuve de todo el conjunto era la de que estaba ante una propuesta balsámica, paliativa, compensadora. Una música de ideas, de necesidades, una música ante todo humana y que es el reflejo de una expresión, y no la mera consecución de unas lecciones aprendidas. Una música con voluntad de quedarse con lo fundamental, con aquello que es imprescindible en cada planteamiento y en cada tema, eliminando todo lo accesorio, todo lo anodino, o todo aquello que no vaya a aportar nada. En este sentido, hay que valorar también el hecho de que Mengual haya sabido aducir a sus tres compañeros para este especial proyecto. Haciéndoles entrar en su particular mundo. Transmitiéndoles esa convicción. Invitándoles a una conversación adulta, sosegada, tranquila. A una gran calma chicha. Ahora sólo nos queda esperar su disco, si es que llega a hacerse, aunque como ocurre con toda la buena música este último cuarteto de Mengual es para verlo en directo. Jack Torrance, Tomajazz ( January 2013) 

 

Hacía tiempo que no escuchaba a este contrabajista, de hecho no asistí a su último concierto en Jamboree por una confusión de fechas. Ahora al escuchar este “U” me doy cuenta de lo que me perdí. Mengual siempre ha sido un músico de minorías, aun que puede presentarse en eventos  como el Woll-Damm Festival de Jazz de Barcelona del 2013, sus seguidores saben que su música no busca el gran público. Tampoco es una persona que sea asiduo de prensa, poca información en la red y muchas ideas para componer. Para la ocasión se rodea de un cuarteto de músicos de la escena local, Oriol Roca a la batería, Toni Vaquer al piano y Pintxo Villar al saxo. Dedican el primer tema a Mompou, ese Per Fréderic con la participación del chelo de Sandrine Robillard es todo un detalle de buen gusto, precioso. Masticando arena, parece que partimos de viaje, el viejo velero en un principio suena a viejo y un poco romo, pero el viento es favorable, Pintxo Villar con ese soplar potente y al mismo tiempo tan cálido y abierto nos conducirá a buen puerto. Sistema Immunològic, la sección rítmica marca un compás que nos resulta más familiar, de momento el saxo vuelve a convertirse en el solista y conductor del tema. Pero atento a la batería de Oriol Roca, construyendo todo un armazón paralelo muy interesante. También el piano de Vaquer irá encontrando su lugar, hay tiempo, y detrás pero siempre presente los golpes certeros de Mengual perfectamente audibles para quien los quiera escuchar. Marco incomparable, de nuevo el chelo abriendo camino, jugará a confundirse con el arco del contrabajo y Pintxo Villar volverá a sacar calor de su saxo, increíble como bucea en el sonido este hombre. Març, introducción  de piano, escobillas discretas y pequeñas pulsaciones de Mengual para una balada que presagia una primavera lluviosa. La sección rítmica va modificando, el piano tensa el ambiente y a pesar de que parecía inevitable una entrada espectacular de Pintxo Villar, siguiendo la tónica del tema, el saxo entra como si no quisiera hacerse notar. Un tema que en directo debe quitar el aliento durante los casi 9 minutos. El siguiente es Alerta mosques, volvemos al riesgo de componer espacios donde el silencio suma, volvemos al riesgo de tomarse el tiempo necesario para desarrollar los más pequeños detalles, volvemos a la música más atemporal e inclasificable. Gran trabajo de Toni Vaquer al piano. La tortuga ferida, trabajo a dúo de Mengual y Villar para conducir al cuarteto en una introducción que abocará de nuevo a la música libre donde tan bien sabe navegar  Mengual. Para terminar Irache, una composición que cierra como había empezado, dejando claro que las fronteras entre el jazz y otras músicas cada día es más estrecha, la pulsación del contrabajo potente y rica en matices e ideas vuelve a subrayar la importancia de David Mengual en el jazz contemporáneo. Por supuesto todas las composiciones son suyas. Cándido Querol, B-Ritmos (Junio 2014)

 

El pasado miércoles, este contrabajista y compositor catalán que irrumpió con fuerza en la escena española de los noventa (especialmente a partir de su segundo disco, Monkiana) regresaba al pequeño templo del jazz barcelonés con una nueva versión de su Slow Quartet. Del grupo que acompaña a Mengual en la grabación de “U” (Bebyne Records, 2013) aparecen en escena Pintxo Villar (saxofón tenor) y Oriol Roca (batería). El piano, a cargo de Toni Vaquer en el formato anterior, es sustituido ahora por la guitarra eléctrica de Dani Pérez. Un cambio que le imprime al cuarteto un sonido más duro, crudo y cerebral sin perder ese perfil “slow” de sonidos espaciados y climas introspectivos. Desde los primeros minutos del concierto, los músicos parecen estirar el tiempo con un estudiado juego de silencios y complicidades. La agrupación trenza sus líneas de sonido como si con su discurso cuestionase el ritmo desenfrenado de la vida actual y nos abriera una puerta a un mundo que se mueve a otro ritmo. Composiciones ya editadas en el álbum de la banda se enlazan con otras nuevas: Melassa, Masticando Arena, Lasaitu, La Tortuga, Marco Incomparable… Son alrededor de cincuenta minutos de buen jazz sin interrupciones en los que algunos solos juegan como puentes, encadenando un tema con otro. Hay una tensión contenida, oscura, en esos desplazamientos lentos del cuarteto que inclinan el peso de su discurso hacia un instrumento u otro, hasta que ya sobre el final, todo desemboca en un solo intenso y explosivo de Villar. El saxofonista parece arrojarse en una inmersión total explorando en el fondo de sí mismo. Tras ese clímax, el cuarteto nos deja abruptamente en un silencio que permanece suspendido unos instantes en el aire, hasta que en la sala irrumpen los aplausos. Al salir fuera, la vida continúa su ritmo acelerado en las ramblas. Quienes aún llevamos dentro la música del Slow Quartet la contemplamos con otros ojos. Sergio Zeni, Diariofolk (April 2014)

Giovanni Di Domenico & Oriol Roca

GIOVANNI DI DOMENICO & ORIOL ROCA

 

GIOVANNI DI DOMENICO: piano, fender rhodes, electronics
ORIOL ROCA: drums & percussion

 

“Frenetic rhythms, spastic melodies, yet oddly tuneful. I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest, and pianist Giovanni di Domenico is an excellent foil for Roca on this recording.” Bird Is The Worm (USA)

 

Italian piano player Giovanni Di Domenico (Nate Wooley, Arve Henriksen, Jim O’Rourke) and Spanish drummer Oriol Roca started playing together fifteen years ago. It’s not only friendship what kept them playing through the years in so many different musical situations in the french, belgian and italian jazz improv scene next to Jeroen van Herzeele, Brice Soniano, Manolo Cabras or Alexandra Grimal. They understand music in a very similar way.

 

An incessant search for new sounds, the joy for exploration combined with an unorthodox musical background brought them together as a duo on 2010, digging into the sound possibilities of their acoustic instruments, density and space, a kind of “live research” on new textures and colors through what it’s mostly improvised music.

 

After Sounds Good (Spocus Records 2012) and Live in Centelles (Whatabout Music 2015) a new duo album will be released on 2017.

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DISCOGRAPHY

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El atleta que salta con pértiga y se eleva unos metros sobre el suelo lo hace con la certeza de que allá abajo queda un colchón que amortiguará su caída. Acelera a la carrera durante unos metros, posiciona la pértiga para impulsarse, gira su cuerpo en el aire y procura sobrepasar el listón sin derribarlo. Ese es su itinerario, la partitura de su recorrido. El músico que improvisa cuenta con el colchón de su experiencia, con el bagaje de exploraciones fallidas en las que aprendió a desarrollar algunos mecanismos de defensa, pero si cae lo hará con todo el equipo. No hay más itinerario programado que, quizá, el del tiempo pactado y alguna obsesión sobre la que se ha dado vueltas antes, pero no hay partitura del recorrido. Caer de pie sin derribar el listón no depende tanto de automatismos como de la capacidad para evitarlos.

El espectador de atletismo se eleva con el salto y salta si el listón no cae. El espectador de un concierto puede elevarse en ocasiones por la exhibición atlética de un músico, pero la elevación tiene consecuencias más duraderas si esta exhibición lo es más de emociones profundas que de músculo virtuoso. También si el listón de sus expectativas quedaba a una altura que los músicos superan con holgura. Depende, claro, de dónde quedara puesto el listón previo. En el caso del dúo entre el romano Giovanni di Domenico y el barcelonés Oriol Roca, el mío no estaba precisamente bajo, pero en la apertura del Festival de Jazz de Vic ese listón se veía minúsculo desde allá arriba.

Discurrido un siglo de historia del jazz, ha habido tiempo más que suficiente para el establecimiento de patrones lingüísticos y estéticos concretos. Se pueden reproducir y, en esa reproducción, vestir con pequeños detalles propios. No es muy diferente a la rutina del atleta. Es una opción. Legítima. Muy frecuente. Muy defendida. Hay otras, no necesariamente antagónicas pero sí divergentes, también complementarias. Oriol y Giovanni son de los que exploran la divergencia, sin olvidarse de los elementos que son propios del canon y que pueden complementarse en absoluta armonía con ellos. No suben a escena con traje de época, sino que hacen música de su tiempo. En la pegada de Oriol no hay sólo tradición jazzística, aunque pueda ser tan “tradicional” como un Paul Motian, y en la relación de Giovanni con el piano hay tanto una actitud punk como una obsesión circular y minimalista, electrónica si me apuran, así como un toque de indudable elegancia jazzística.

Lejos de la mecánica de la predicción, el itinerario musical de Giovanni di Domenico y Oriol Roca ofreció en la apertura de Vic momentos de belleza singular, enmarcados por una sincronización perfecta de voluntades y deseos compartidos. Se ven poco porque la distancia y las agendas son así, pero hay entre ellos sintonía de hermanos. Crean partituras impredecibles, porque hay en el italiano un nervio que salta a la mínima sugerencia y que el catalán sabe reconducir e interpretar con una lógica apabullante. Son libres y tienen la disciplina para serlo. Cayeron de pie y nos hicieron saltar. Atletas del alma. Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz (May 2016)

 

Au piano, Giovanni Di Domenico disperse les notes au gré des courants. Prêche une angoisse latente. Laisse s’épanouir l’espace. Etale la phrase. Aime à filtrer les mêmes sentiers. Frôle le sirop ECM. Emprunte la résonance à Monsieur Paul Bley. Déambule et, encore, étale. Consulte le drame. Censure sa main gauche. Racle le plus profond des fréquences graves. Retrouve l’angoisse originelle. A la batterie, Oriol Roca martèle amoureusement ses fûts. Laisse la vibration se fendre jusqu’à terme. Emprunte la résonance à Monsieur Paul Motian. Convoque un tempo métronomique sur cymbale usée. Abuse le bol tibétain. Ce que font pianiste et batteur n’est pas nouveau, n’est pas révolutionnaire. Mais sensible: assurément. Le Son du Grisli (April 2016)

 

El baterista Oriol Roca no sólo está desarrollando una interesante carrera dentro de nuestro país en grupos como MUT Trío, o junto a Giulia Valle y David Mengual por citar algunos. También tiene un reconocimiento más allá de nuestras fronteras con grupos como VRAK’ Trio, la Piccola Orchestra Gagarin, o con el pianista Giovanni Di Domenico, tal y como ocurre en Sounds Good, publicada en 2012 en el sello belga Spocus Records. En esta grabación se incluyen siete improvisaciones, más dos temas compuestos por cada uno de los músicos. Roca y Di Domenico establecen una relación musical entre iguales. Esto no quiere decir que no haya momentos en que uno de los dos sea quien se erija en la voz cantante, sino que van cediendo ese papel cuando no están en un plano de igualdad. Los temas resultan sumamente variados. “Hermafrobeat” resulta muy animado. “Music Not Going Anywhere” es una de las joyas del CD: su título no es únicamente una declaración de intenciones, sino la mejor descripción que se puede hacer a la exploración sonora de ambos músicos. “Neve Marina” casi se podría calificar de música programática. “Song For Masha” es un precioso tema de Oriol Roca. En “Don’t Doubt Here Doubt There” ambos músicos dan una buena lección de cómo trabajar con la tensión musical. “Avoid A Void” es otro tema muy bonito con el piano goteando sus notas, mientras que “H.I.M.R.” es una composición de Di Domenico solemne, lírica, en la que el espacio y el silencio son elementos fundamentales. Pachi Tapiz, Tomajazz (April 2014)

 

A short record of piano/percussion avant-jazz between Giovanni di Domenico (Arve Henriksen, Nate Wooley, Jim O’Rourke) and Oriol Roca. Di Domenico is here in acoustic mode – and so is Roca. Improvisation or composition? Surely a little of both – some stop/go moments are simply too well coordinated to be freely improvised. Pieces are short, delicate, often melancholic without getting sappy. Roca often restricts himself to a few percussion instruments and get the most nuances out of them. Sounds Good is an unpretentious and quite convincing meeting. François Couture, Monsieur Délire (April 2014)

 

Questa collaborazione con il batterista Oriol Roca sposta il suo baricentro su quelle movenze contemporanee che erano appena accennate in “Ghibli” e “Seminare Vento”. “Soundabout” vi introduce ad un clima quasi Ligetiano, per poi comunque rientrare in una “pensosità” espressiva coadiuvata da effetti percussivi che rendono il linguaggio sospensivo; in “Sounds good” trovate tutto il polistilismo di Giovanni: gli spazi atonali, la ricerca di un giusto equilibrio tra silenzio e note, le percussioni che si muovono sommessamente sullo sfondo, e, in quantità minori l’amebluement trasversale di Satie e le angolature di Monk; in “Avoid the void” si avvertono persino brevi scampoli di minimalismo; ma la cosa che colpisce è il validissimo tocco pianistico che segue canoni di raffinatezza che appartengono al mondo degli esecutori classici. Ettore Garzia, Percorsi Musicali (January 2013)

 

Frenetic rhythms, spastic melodies, yet oddly tuneful.  I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest, and pianist Giovanni di Domenico is an excellent foil for Roca on this recording.  Totally random, but would be interested to learn if the song “Hermafrobeat” sends anyone else’s cats into a crazed tailspin like it does mine. Dave Summer, Bird Is The Worm (October 2013)

Vrak’ Trio

VRAK’ TRIO

French-Catalan trio (first prize in Barcelona’s Concurs de Jazz 2007), leaded by french flute player Etienne Lecomte. Together since 2006, the trio has developed a very personal universe combining 20th century written and oral music with influences of world music, funk, avant-garde jazz, and rock.

 

Over the years, the trio has collaborated with other musicians, visual artists and dancers in different side projects. The Crossroad Project (2011) included spanish guitarist Jaume Pantaleón, polish saxophonist Radek Knop and finish video artist Mia Makela. After some concerts in France and Spain the album Crossroads Project (Labelmanivelle 2011) was released. On 2013 Vrak Trio gathered around 60 musicians for the Romania Project, includind the french Banda d’Aubergne and the romanian Nadara Transylvanian Gyspy Band for a series of concerts in Romania.
Since 2012 contemporary spanish dancer Anna Rubirola is collaborating on Vrak’s project Miró Dansant, a tribute to the catalan abstract surrealist painter Joan Miró. The project explores through movement and music a series of Joan Miró’s pictures, working methods and his approach to instant creation.

 

Currently Vrak’ Trio is revisiting, together with saxophonist Miguel Fernández and guitarist Albert Juan (members of MUT TRIO) the iconic Charlie Haden’s Liberation Orchestra album The Ballad of the Fallen. this project includes again the participation of the french brass large ensemble Banda d’Aubergne.

 

During the almost ten years of existence, Vrak’ Trio has performed in many festivals in Spain, France, Italy, Romania including Jazzèbre Festival Perpignan, Jazz à Luz, LEM Festival Barcelona, Jazz à Colignac, Jazz Garrigue, Jazz à Marciac, Mercat de Música Viva de Vic, Festival 31 Notes d’Éte, Jazz Mosaïque, Millau Jazz Festival, Koa Jazz Festival Montpellier, Charlie Jazz Festival, Festival de Jazz d’Igualada, Jazz à Midi, Light Blue Interfestival Ghent, Uanciufree Interfestival Sardegna, Festival Musiques au Présent Narbonne, among many others.

 

 

ETIENNE LECOMTE: flute, electronics

LAURENT GUITTON: tuba

ORIOL ROCA: drums, percussion

 

www.vraktrio.com

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Flûte, tuba, batterie. Voilà une orchestration des plus originales. C’est dans cette formule que se présente le Vrak’ Trio, groupe franco-espagnol qui, avec Connivence, sort son quatrième album. Emmené par le flûtiste Etienne Lecomte, Vrak’ Trio propose une musique intimiste, minimaliste parfois, teintée çà et là d’une dose d’électronique. Au fil des seize titres de l’album (qu’on pourrait comparer à des miniatures, leur durée n’excédant pas les trois minutes), on voyage entre plusieurs ambiances : orientalisme, musique répétitive, film noir, easy listening. Chaque pièce fonctionne comme une ritournelle tantôt mélodique tantôt bruitiste.
Aux flûtes et traitement électronique, Etienne Lecomte fait mouche grâce à la justesse et à la précision de son jeu ainsi que par son sens aiguisé de la mélodie. Le tubiste Laurent Guitton utilise son instrument tantôt pour soutenir harmoniquement l’ensemble tel un contrebassiste, tantôt comme un soliste, lançant des riffs rageurs. Derrière ses fûts, Oriol Roca décore l’ensemble de petites touches de couleurs avec un à-propos confondant.
Le trio fêtera ses dix ans d’existence en 2016. S’il passe par chez vous, ne ratez pas leur anniversaire ; vous le regretteriez. Julien Aunos, Citizen Jazz 2016

 

Comment répondre dans le cadre d’une écriture musicale à l’injonction du plasticien catalan Joan Miro qui disait : «  Il est important pour moi d’arriver à un maximum d’intensité avec un minimum de moyens » ? En choisissant comme les audois de Vrak’Trio une formule minimale flûte/ tuba/ batterie valorisant le contraste de couleurs pures? En s’inspirant dans les compositions de l’esprit enfantin, de l’onirisme surréaliste puisant dans les limbes du subconscient, en juxtaposant une expression brute à une suggestion poétique ? Vrak’ Trio, dans son essai de transposition de la toile du peintre à l’instrument du musicien signe une belle réussite qui mérite plus qu’un large détour.

Vrak’Trio revisite donc l’œuvre du plasticien catalan qui fut toujours un artiste discret, faussement naïf mais toujours libre aussi bien en sa jeunesse surréaliste que dans les dernières années de sa vie de centenaire. Cette référence explique le choix de la pochette simple, d’un bleu qui renvoie au tryptique des « bleus » du peintre et la présence de plusieurs plages qui sont extraites du relativement récent spectacle «  Mirodansant » créé par les trois musiciens et la danseuse Anna Rubirola . Ainsi, «  Alouette » est une composition d’après l’œuvre «  L’aile de l’alouette du bleu d’or rejoint le cœur du coquelicot sur la prairie parée de diamantsou «  Rouge » découle du regard porté sur le tableau «  Joie d’une fillette devant le soleil » et trois plages sont inspirées du tryptique des «  Bleus » sans oublier  » L’or de l’azur » d’après l’œuvre éponyme. Philippe Lesage, Djamlarevue 2016

 

Het is bepaald geen alledaagse bezetting die het Vrak’ Trio heeft: fluit, tuba en drums. De muziek klinkt dan ook navenant. Dit trio, bestaande uit respectievelijk Etienne Lecomte, Laurent Guitton en Oriol Roca, heeft zijn sporen verdiend in zowel de jazz als in de volksmuziek van Spanje en Frankrijk, de landen van herkomst van de musici, maar is eveneens beïnvloed door de muziek van de Roma. We vinden het allemaal terug in de eclectische mix die het album ‘Connivence’ is geworden.

Soms gebeurt dat zeer ingetogen, bijna voorzichtig, als in de drie composities met de naam ‘Silhouette’. In ‘Silhouette 1’ vallen het geluid van de tuba en de fluit op een wonderlijke manier samen tot een verstilde melodie, terwijl in ‘Silhouette 2’ de fluit een dialoog aangaat met het tribaal klinkende slagwerk. In ‘Silhouette 3’ blaast Lecomte een klassiek aandoende melodie, terwijl we op de achtergrond een voorzichtig ritme ontwaren, wat allengs in kracht toeneemt en de fluit als het ware wegdrukt. Op andere momenten zit er meer dynamiek in de stukken. In ‘Sparks’ wordt dat vermengd met de muzikale traditie van de Roma. We horen Lecomte hier in een elektrificerende fluitsolo, terwijl Roca en Guitton voor het zo kenmerkende ritme zorgdragen. In ‘Yksnivarts’ fluit Lecomte een soort van dwarse dans op sterk slagwerk van Roca. Gaandeweg gaat het er steeds nerveuzer aan toe.

In 2012 startte het trio samen met de Spaanse danseres Anna Rubirola een project rondom de Catalaanse kunstenaar Joan Miró onder de naam ‘Miródansant’. Het project verkent door beweging en muziek het abstracte werk van deze kunstenaar, zijn methodes van werken en zijn improviserende aanpak. Een zestal stukken uit dit project zijn ook op ‘Connivence’ terecht gekomen. De tuba en het slagwerk in ‘Bleu 1’ klinken abstract en verkennend, waarbij vooral Guitton opvalt door de buitenissige wijze waarop hij zijn tuba hanteert. Het contrast met de meer klassieke klank van het fluitspel is groot. In ‘Bleu 2’ vallen de klanken van de drie instrumenten juist weer harmonieus samen in een dansbare cadans. In ‘Bleu 3’ is die harmonie echter weer ver te zoeken. Het stuk klinkt als een mars waarbij de deelnemers flink uit de pas lopen. Ben Taffijn, Drai Om Je Oren (November 2015)

 

La flûte est très en vogue en ce moment. Si on excepte Michel Edelin qui défend l’instrument depuis des lustres, on écoute aujourd’hui, après Magic Malik, un Joce Mienniel, une Sylvaine Hélary ou Ludivine Issembourg… Il faut aussi compter avec Étienne Lecomte qui confronte ses aigus aux graves d’un tuba dans un Vrak’Trio où la connivence est de mise. Belle complicité effectivement pour inventer une musique vivante et captivante primée au concours de jazz de Barcelone. À découvrir sans attendre! Thierry Girard, Culturejazz.fr (June 2015)

 

Antes del concierto de Henry Threadgill, abrían el espectáculo Vrak’ Trio, toda una sorpresa, creo que seria difícil buscar mejores teloneros para Threadgill, se trata de dos músicos franceses, Ettienne Lecomte a la flauta y Laurent Guitton a la tuba (cargado con ella todo el tiempo y sudando como un poseso)  y el catalán Oriol Roca  a la batería, no solo calentaron motores sino que sirvieron perfectamente de iniciación al posterior rito casi eclesiástico. Habrá que estar atentos a esta formación, tienen la misma libertad de que gozaba Threadgill en los 70 y 80 y mira donde ha llegado. Candido Querol, B-ritmos (October 2008)

 

Había escuchado a Vrak’ Trio hace cosa de un año en la programación de Arco y Flecha, y a Oriol Roca, su más que solvente baterista, en unos cuantos proyectos paralelos, entre los que cabe destacar el dueto que forma con el sardo Paolo Angeli. Y si bien de esa primera vez no recuerdo nada positivamente destacable, su concierto para el LEM fue de lo mejor del festival. La combinación excéntrica de los tres instrumentistas –Roca a la batería, Etienne Lecomte a la flauta y Laurent Guitton a la tuba- y sus usos perversos de los instrumentos (una batería dada más al acento melódico que a su papel más rítmico; una flauta veloz y arrastrada que apenas se dedica a la melodía; una tuba que más allá de marcar los bajos se escapa en deliciosas fugas de instrumento solista), dieron al concierto un tono cambiante y trepidante. Pasando de ritmos contundentes y casi bailables, a fragmentos dislocados donde el trío parece haber encontrado un espacio y un idioma excéntrico, un tanto frío y espeluznante, en el que navega la mar de cómodo. Jack Torrance, Tomajazz (October 2010)

 

La música del Vrak’ Trio es abstracta y de compleja digestión. Pero de igual forma irradia un magnetismo que atrapa como una pegajosa tela de araña. La flauta de Etienne Lecomte, la tuba de Laurent Guitton y la batería de Oriol Roca crean un universo en el que el jazz y la vanguardia se fagocitan mutuamente sin caer en lo pretencioso ni en lo puramente arty. Con esta sugerente e inédita formación se perpetua el espíritu revolucionario que detentó cuarenta años atrás la AACM (Asociación para el Avance de Músicos Creativos) de Chicago. Un colectivo de músicos visionarios (Art Ensemble Of Chicago, George Lewis, Anthony Braxton o Leo Smith, entre muchos otros) que enarbolaron la bandera del free-jazz dentro de los parámetros de la innovación artística sin cortapisas ni integrismos. Temas como Nappe frenetique o Baguette tragique rememoran los terrenos indómitos en los que campeaba el Sam Rivers Tuba Trio (estallidos de energía y testosterona que generan una simbiosis entre caos y belleza). Mientras que piezas como Brass, Le reveil des klaxons, Rage o los tres interludios de Question, apuestan por un tono más intimista y misterioso, que recuerda en cierta medida las procaces caligrafías de la pianista Carla Bley o la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden. El Vrak’ Trio huye de encorsetamientos y detenta una libertad absoluta a la hora de esculpir su catártico discurso. Miguel Ángel Sánchez Gárate, B-Ritmos (April 2011)

 

En este peculiar “cruce de caminos” que propone el indómito Vrak’ Trio seguramente que venderían su alma sin contemplaciones al Miles Davis de Bitches Brew o al Ornette Coleman de Dancing in your head o Song X. Y todo porque su propuesta da saltos a la comba en un formato donde manda la improvisación y los márgenes ilimitados de un free-jazz, en el que coinciden multitud de referencias, desde el funk a la música incidental. Esta vez el álbum ha sido grabado en directo en el Teatro de la Escena Nacional de Narbonne y ha contado con invitados de excepción, como es el caso del guitarrista español Jaime Pantaleón, la videasta finlandesa Mia Makela y el saxofonista polaco Radek Knop. El disco se compone de siete movimientos que llevan el título que conforma la antología más una especie de suite con aires ambientales y aroma a thriller llamada Rage. El principio sosegado, nocturno y lirista de Crossroads V colisiona con el formato críptico y pantanoso de Crossroads VI, con esos juegos traviesos que propone la electrónica insuflada por Pantaleón. Mientras que la rítmica plenamente funk de Crossroads IV se da de bruces con la orgía percussiva que se dirime en Crossroads VII, donde el catalán Oriol Roca se metamorfosea en un agresivo Ronald Shannon Jackson a los timbales. La libertad cincela unas formas en continua mutación que se expanden a su antojo como corrientes de aire. Y es que para Vrak’ Trio no existen fronteras algunas en lo que se refiere a la música. Miguel Ángel Sánchez Gárate, B-Ritmos (February 2012)

 

Por casualidad, resulta que estuve presente en uno de los dos conciertos que fueron registrados para hacer este disco, el de Barcelona. Recuerdo que entonces varias personas me recomendaron vivamente que fuera a verlos. Y lo cierto es que el concierto me impresionó gratamente, y lo sé además porque esa misma noche tomé unas notas que, miren por donde, voy a poder usar ahora, ya que parte del material de este disco proviene de aquella noche.
Lo primero que quiero señalar de este trío es que me gusta su sonido, es distinto, no suena a nada de lo que se hace por aquí. Y cuando digo sonido lo digo de una manera amplia, no sólo por el colorido que aporta su peculiar instrumentación, sino por la forma e interpretación de los temas. El trabajo de Lecomte a las flautas es excepcional, pero no menos que su labor como compositor y arreglista.
Justamente, el disco se abre con un arreglo particularísimo del ellingtoniano “In A Mellow Tone” que segmentan en dos partes. Podríamos poner la lupa en ese tema para hablar de todo el disco, en él encontramos prácticamente todo lo que ofrece el Vrak’Trio. Por ejemplo, ese sonido selvático y denso que, como apunté hace un año y pico, me parecía que llevaba algo africano dentro. Supongo que Lecomte, francés, detalle importante, debe tener muy presente esa conexión con África. Y no sólo él, Guitton y Roca secundan esa impresión. La tuba, que teóricamente funciona como un bajo, aunque también tenga sus momentos de fuga, aporta un sonido de cuerno, profundo y misterioso (a veces suena como un didgeridoo). La batería, tratada como percusión (campanillas, manos, paños sobre la caja), es seca, en el sentido de desprovista de todo sentido de la ornamentación, y procura ese ambiente frondoso (y a veces tribal). Y, finalmente, las agudas y penetrantes flautas, que dan el toque de lamento o grito humano (en ocasiones vocaliza mientras la toca). El hombre y un entorno, lo necesario para elaborar un relato.
Regresemos, ya para acabar, a “In A Mellow Tone” y a su personal arreglo e interpretación, que sugiere las licencias que se tomaba Mingus con el mismo Ellington, sobre todo por el juego de contrastes y timbres. Pero hay otros temas, como “La marche des chameaux” y su aroma árabe, “Tchak” con la gracia de su línea melódica, o esa extraña versión de “Tales Of Rumi” de Charles Lloyd, que me gusta más que la original. Elementos muy jazzeros también a veces, combinados con cosas que suenan a música clásica y contemporánea. En fin, chapeau.
Jack Torrance, Tomajazz (December 2009)

 

Dès le titre, 37 avril, l’étrangeté est de mise. Quelle est cette date qui n’existe sur aucun calendrier ? Celle d’un printemps suspendu, ou la date d’une représentation théâtrale que dessine en creux Vrak’ Trio dans les quinze morceaux courts et nerveux de ce premier album, qui se pare du velours rouge des fauteuils d’orchestre ?

Le point d’interrogation qui se dessine, discret, non loin du titre laissera libre court à l’imagination et à la musique onirique d’un trio étonnant jusque dans ses timbres. Une flûte, un tuba et une batterie, le triangle est inédit et le résultat séduisant. De surcroît, jamais il ne tombe dans l’anecdote, le piège de la formation atypique. Car la formation catalane du flûtiste Etienne Lecomte construit en toute cohérence une sorte de suite qui visite ces sonorités nouvelles, créant en miniature de petits univers reliés.

À l’image de cette configuration particulière, les nouveaux espaces créés par le discours commun des trois musiciens restent à défricher, et c’est de cet essai de langage nouveau que naît la magie. La relation entre la flûte incisive de Lecomte, clef de voûte de l’ensemble, et le tuba agile de Laurent Guitton fonde un propos où l’image et la couleur influent sur le cours de l’improvisation. C’est sur cette dominante que se place le batteur Oriol Roca, qui influe presque plus sur le développement mélodique que sur cette rythmique, socle partagé du trio.

On retrouve la même alchimie sur le groove nerveux de « Nappe frénétique », mais surtout sur le très onirique « Brass » : les deux soufflants se mêlent dans une nostalgie de fanfare abstraite et mélancolique que l’improvisation rehausse de lumières voyageuses en se frottant aux folklores imaginaires. Cela évoque par petites touches le trio d’un autre tubiste, le Belge Michel Massot, avec l’accordéoniste Tuur Florizoone et la violoncelliste Marine Horbaczewski. Il faut d’ailleurs louer le travail remarquable de Guitton au tuba tout au long de l’album. Le fondateur de l’Electric Tuba Gang utilise au plus loin les ressources infinies de son instrument. Jamais il ne se borne à la simple basse, et le trio ne lui attribue jamais le rôle un peu épais, trop souvent dévolu à son instrument. Ici, ce dernier peut se faire trombone gracile ou percussion grave. Tout le secret du Vrak’Trio tient peut être dans la volonté de déjouer l’ornière (l’opposition entre flûte élancée et tuba trapu) pour, au contraire, échanger les rôles avec une malice constante ; c’est là ce qui en fait une découverte réjouissante. Franpi Barriaux, Citizenjazz (March 2011)

 

Un projet complètement fou. Une osmose volontairement désorganisée, faite de paradoxes, de faux semblants sonores. Un foutoir incommensurable, au service de la plus intense des créativités. Vrak’Trio est un groupe (dés)articulé autour de trois malicieux artistes, en la personne de Laurent Guitton au tuba, Etienne Lecomte à la flûte traversière et Oriol Roca à la batterie. Ce trio arbitre les débats par son assise rythmique et le lyrisme des mélodies distillées avec sagesse. Dans le rôle du trublion, le guitariste Jaime Pantaleon utilise une palette d’effets électronique aussi bizzaroïdes que dérangeants, Ring Modulator et Distorsion synthétique à l’appui. Cette série de Crossroads, apatride de tout acte d’esthétisme préétabli et politiquement correcte, se veut être une suite de rêveries parfois satirique, parfois faussement naïve. Il s’agit là d’une création Live en 2008 pour le Festival « Musiques au présent » de Narbonne. La présence de Mia Makela à la video témoigne de l’ampleur artistique d’un tel projet. Par ailleurs, le saxophoniste Radek Knop y évolue avec sagesse, sachant allier spontanéité avec audace. Lors de quelques accalmies, la Musique de ce projet dingue s’organise en Groove monstrueusement envahissant, communicatif. Malicieux unissons opposés à de rugissants effluves sonores, les solistes occupent l’espace de façon onirique. Les fréquentes mises en place témoignent d’ailleurs de l’incroyable talent de compositeurs de ces interprètes, notamment Etienne Lecomte. Ce n’est pas sans rappeler l’influence bienfaitrice d’un John Zorn ou d’un Steve Reich, desquels les musiciens de ce disque sont les dignes héritiers. Tristan Loriaut, Les Dernières Nouvelles du Jazz (November 2011)

Oriol Roca – Solo

ORIOL ROCA SOLO

 

ORIOL ROCA: drums, percussion and objects

 

“Perhaps it’s the restraint displayed by Roca that makes his solo album so compelling, but the forty minutes flew right by and I was sad when the album ended.” All About Jazz (USA)

 

Barcelona born drummer Oriol Roca had no intention to release a solo album. He didn’t even plan to perform solo, for that matter. And yet, La Tomba dei Giganti is his first outing under his own name. In August 2009, Paolo Angeli, an amazing Italian improviser, invited Oriol to perform at Isole che Parlano, an arts festival held in the tiny village of Palau, in the Italian island of Sardinia. Italian sound engineer Roberto Monari happened to be there with his recording equipment to document the festival. Oriol was struck to recognize himself so strongly in the music, and he realized it was closer to the way he felt about music than anything else he’d ever done before. And thats how Roca’s first ever solo album, recorded on the evening of his first ever solo performance, came to be.

 

When playing solo Roca expands his set using all kinds of cymbals, different drums, objects, metal bars, plastic bags, stones, toys, bags of sand, a cheap wood flute, kitchen utensils, mini bells, chinese sticks, an original 22″ Paiste gong from 70’s a good friend gave him… anything capable of creating sound is welcome to explore in a free musical form the infinite possibilities of textures, density, dynamics we’re all surrounded by.

 

“Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva, (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti).” Germán Lázaro, Cuadernos de Jazz (ESP)

 

“Oriol Roca est un batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles.” Claude Loxhay, Jazzaround (BE)

AUDIO

DISCOGRAPHY

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Perhaps it’s the restraint displayed by Roca that makes this track so compelling, but the five minutes flew right by and I was sad when the album ended. All About Jazz (USA)

 

Oriol Roca rebondit d’une rythmique à l’autre, colore plus qu’il ne percute, dessine des mouvements d’air plus qu’il ne structure Diane Gastellu, Citizenjazz (FR)

 

Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva, (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti). Germán Lázaro, Cuadernos de Jazz (ESP)

 

Oriol Roca est un batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles. Claude Loxhay, Jazzaround (BE)

 

Paolo Angeli, que je suis depuis quelques années maintenant, ici il a trouvé un complice à sa mesure: Oriol Roca est un batteur énergique et créatif. Joël Plagier, Jazzman Magazine (FR)

 

Roca enters into another complex and unpredictable series of patterns which would serve most other drummers as a solo, but here it’s simply his agile contribution to the landscape. Dave Foxall, Jazz Journal (UK)

 

I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest Dave Summer, Bird is the Worm (USA)

 

El baterista Oriol Roca no sólo está desarrollando una interesante carrera dentro de nuestro país en grupos como MUT Trío, o junto a Giulia Valle y David Mengual por citar algunos. También tiene un reconocimiento más allá de nuestras fronteras con grupos como VRAK’ Trio, la Piccola Orchestra Gagarin, o con el pianista Giovanni Di Domenico, tal y como ocurre en Sounds Good, publicada en 2012 en el sello belga Spocus Records. Pachi Tapiz, Tomajazz (ESP)

 

El més significatiu d’aquest treball és que ens trobem davant d’un dels escassos bateries – i músics en general – capaços de construir amb el seu instrument un bell i poètic discurs narratiu. Martí Farré, Nativa (ESP)

 

Oriol Roca è un batterista eccezionale: flessibile e perfettamente a suo agio nei poliritmi e capacissimo di suonare anche al di fuori della pulsazione, una spalla perfetta per gli altri musicisti. Andrea Aguzzi, Italia Paperblog (IT)

DÍAZ / MENGUAL / ROCA

DÍAZ · MENGUAL · ROCA

On 2011 David Mengual recorded the album Maitia, which included pianist Joan Díaz and Oriol Roca on drums, among other musicians. That first special meeting on Mengual’s album is the origin of this trio, which has been playing since then.

 

El projecte Cadena Tròfica està inspirat en algunes de les idees que han fet de la Bauhaus un referent en la història de l’art del segle vint. El procés creatiu és allò que marca el destí d’una obra i dels propis artistes i, en el decurs d’aquest procés, no s’han de dissociar cap dels elements que configuren el nostre perímetre creatiu i de coneixement. L’art arriba pel camí de l’artesania com la filosofia ho fa a través del pensament. Com podríem imaginar un compàs de silenci sense la imatge d’un paisatge gèlid? Com articular formes musicals sense contemplar l’estructura arquitectònica d’un edifici? I pensar en una instrumentació sense que et vingui al cap el gra d’una pel.lícula? El frasseig d’un motiu musical, no esdevé el traç d’una pintura? Els paràmetres que condicionen l’estructura d’una obra musical no són comuns als que actuen en el disseny d’un got? Cadena Tròfica pretén formar part d’aquesta cadena creativa que comparteixen les diferents disciplines estètiques, artístiques i de pensament a través de la música original que s’inspira, en bona mesura, en l’essència que va donar sentit a la mateixa escola Bauhaus.

 

 

JOAN DÍAZ: piano

DAVID MENGUAL: double bass

ORIOL ROCA: drums

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DISCOGRAPHY

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Guardonat també en diverses ocasions és el pianista Joan Díaz, compositor, arranjador i reconegut pedagog que, en companyia del contrabaixista David Mengual i el bateria Oriol Roca, presentava, el 24 d’octubre, el disc Cadena tròfica —treball que signen com a Díaz / Mengual / Roca— a la sala petita de L’Auditori, en el marc de 47è Voll-Damm Festival Internacional de Jazz de Barcelona. Als antípodes de la disbauxa de la FAE, Díaz, Mengual i Roca ens ofereixen un espectacle de concepte, gairebé de recolliment interior, en el qual diuen vincular la creació musical amb altres disciplines artístiques, a partir de les idees de la Bauhaus alemanya. No en va, durant el concert es van projectar diferents imatges del fotògraf Carles Roche. Des del silenci, des del xiuxiueig, des de la bellesa, la música avançava a batzegades, amb cadències capricioses, però també en alguns fragments amb un excés de lentitud. Contrastava l’estil heterodox del bateria Roca amb el toc elegant del mestre Díaz. Entre els moments més sorprenents, el contrapunt energètic del tema “Trapezi”, amb un solo de teclat vintage inclòs. Cadena tròfica és una proposta de difícil classificació —“diferent”, en dirien alguns—, que demostra l’etraordinari caràcter versàtil del pianista Joan Díaz, i per descomptat també del contrabaixista David Mengual i el bateria Oriol Roca. Martí Farré, Núvol.com (November 2015)

Bad Currency

BAD CURRENCY

DAVID SOLER: electric guitar

LYNN CASSIERS: voice & electronics

MANOLO CABRAS: electric bass

ORIOL ROCA: drums

 

Bad Currency is a collaborative band that includes some of the finest European contemporary jazz musicians living in Brussels and Barcelona, and behind this reunion there’s Spanish guitarist and producer David Soler, who long before the band existed, imagined such a combination of musical personalities.

 

On 2012 Soler was invited by the Festival de Jazz de Vic (Spain) to collaborate with Norwegian musicians Jan Bang and Erik Honoré –PUNKT– featuring Sidsel Endresen. He used that opportunity to finally put the band together, and invited Spanish drummer Oriol Roca, Italian bass player Manolo Cabras and Belgian piano & keyboard player Jozef Dumoulin, who was later replaced by Belgian Lynn Cassiers on voice & electronics.

 

Bad Currency is a mixture of texture-focused music, electronic soundscapes, pure melodic parts, dark lyrics, organic grooves, strong interplay, raw guitars, improvisation, allowing a very natural coexistence between the acoustic and the processed sound. It’s some sort of timeless music, in which various moments of the 20th century music melt into a whole.

 

A debut album is ready to be released on 2017.

 

“Combinando partituras de escritura propia con improvisaciones, conformando un resultado sonoro cromático, de predominio denso y marcado, con trazados angulosos y obscuros, de entornos cerrados y nocturnos. Con descargas notables que de alguna manera, de forma sui generis, resultaban prolongadoras del mejor rock progresivo de hace unas décadas.”  Tomajazz (Spain)

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Hace un par de años, en buena parte como consecuencia del piano solo de Dumoulin, se constituyó el cuarteto internacional Bad Currency, que desgraciadamente no ha disfrutado de la continuidad que se merecería. En la presente edición, tres de sus componentes originales, el sardo Manolo Cabras (bajo) y los catalanes David Soler (guitarra y pedales) y Oriol Roca (batería), acompañados en esta ocasión por la voz y los artefactos electrónicos de Lynn Cassiers -protagonista en solitario de la noche anterior-, ofrecieron una notable muestra de su trabajo. Combinando partituras de escritura propia con improvisaciones, conformando un resultado sonoro cromático, de predominio denso y marcado, con trazados angulosos y obscuros, de entornos cerrados y nocturnos. Con descargas notables que de alguna manera, de forma sui generis, resultaban prolongadoras del mejor rock progresivo de hace unas décadas (Henry Cow, Soft Machine, Isotope o el King Crimson menos sinfónico) con un substancioso sazonado a lo Jaco Pastorius.

Lynn Cassiers, resultó ser más que una invitada, encajó perfectamente con la propuesta del trío, al cual aportó su savia personal en una remarcable consonancia con sus compañeros. Próximamente y en formación de quinteto, el cuarteto de la velada más Josef Dumoulin, realizarán una pequeña gira por los Países Bajos, para posteriormente pasar a los estudios de grabación. Joan Cortès, Tomajazz (June 2014)

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