Mut Trio

MUT TRIO

MIGUEL FERNÁNDEZ: tenor and soprano saxophone
ALBERT JUAN: electric guitar
ORIOL ROCA: drums

MASA KAMAGUCHI: double bass (on last album)

 

“A long-standing Barcelona trio with a unique and idiosyncratic style and a repertoire that combines semi-composed themes with quirky improvisation, that somehow manages to unite elements of free jazz with more conventional stylings.” Jazz Journal (UK)

 

On the Barcelona scene (and beyond) the leaderless MUT Trio has a unique and idiosyncratic voice. It’s a voice that combines sparse structures and eloquent improvisation. A voice in which space and silence are equal partners alongside the instruments. It’s a voice that continues to evolve on this, their forth recording.

 

The MUT sound still features Miguel Fernández’s agile tone and minimal, fragmented phrasing, Albert Juan’s infinite textures and melodic refraction, and the cymbal-infused percussive landscapes of Oriol Roca… but with the addition of occasional live collaborator Masa Kamaguchi on bass, the sonic palette has broadened a little. Yet in bringing this deeper timbre, Kamaguchi is at home with the ‘less is more’ MUT philosophy and adds a variety of string-rattling subtleties without the slightest injury to MUT’s trademark mesmerising flow and cliché-free clarity.

 

MUT Trio is about melody. Often partial, splintered even; tuneful shards are repeated, turned over, given fresh response, pushed through the looking glass, creating unpredictable journeys for the listener. From the precision and pace, to the hint of the souk, or the folk-ish roots of their music… some possibilities only become apparent (or possible) once in motion, and MUT are in constant motion.
It’s been said before – notably by Ornette Coleman – that you cannot intellectualise music without diminishing it in some way, what really matters is the emotional response. MUT Trio’s music is primarily an emotional endeavour: curiosity, melancholy, joy (from quiet to fierce), liberty, wonder, and warmth, this is music alive with feeling.

 

Formed in Barcelona on 2009, MUT is a trio without leaders. A band that works on a land located between the composition and improvised music with a repertoire of songs that appear spontaneously connected by improvised sequences, all of them connected as a recitative. The order in which the songs appear is completely random, so that’s the band premise: make music happen by itself putting the sound of the three instruments at its disposal. Occasionally the trio is joined by bass player Masa Kamaguchi and Manolo Cabras.

AUDIO

DISCOGRAPHY

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It’s criminal, really. A long-standing Barcelona trio with a unique and idiosyncratic style and a repertoire that combines semi-composed themes with quirky improvisation, that somehow manages to unite elements of free jazz with more conventional stylings… and their 27 April 2015 gig at Robadors 23 begins with an audience of four. Now, granted it’s a Monday night but come on, Barcelona – make an effort, please!

Having got that off my chest, I have to admit that there was something special about being part of such an exclusive event; and certainly, the small size of the audience didn’t seem to dampen the spirits on-stage who dealt out nearly an hour and a quarter of exquisite music…

One thing the MUT Trio does not do is hurry. In fact, time seemed to slow in the presence of Tito Juan’s atmospheric chording and lingering single notes. Roca enters the picture with some muted sound-making as he runs plastic bags, shells (I think) and other objects over the drum kit. Fernández stands apparently waiting, inactive, with the horn hanging slackly… but faintly the subtle percussive sound of fingers on saxophone keys can be heard. After a single sonic swipe, languorous melodies begin to emerge from Fernández’ tenor, as Roca immerses himself in his own rhythmic world, and Juan commences a series of dissonant and angular interpolations (in the mathematical sense rather than the musical). It’s a four-way impressionistic soundscape in which silence plays the fourth hand – not for nothing are they named “mut” (Catalan for mute).

Then Fernández adds a brief touch of Coltrane’s tone (I’m pretty sure I imagined it, but for a second there I thought he quoted a fragment of A Love Supreme…) and at the same time, Juan dials up the distortion on his Fender amp – there’s an instant of juxtaposition and then a rapid and complete dissolution leaving Roca’s drums to gently fill the quiet. There’s a constant and spiralling progression happening here which nevertheless feels freeform in nature; ever-evolving, never resolving.

The audience swells to six as another theme commences. The tenor drones and weaves, with a subtle hint of North Africa about it, waiting for the guitar (a rather stunning Paul Reed Smith, by the way) to begin a muted engine-like vibrating rhythm. Roca enters into another complex and unpredictable series of patterns which would serve most other drummers as a solo, but here it’s simply his agile contribution to the landscape. There’s definitely something about the febrile intimacy of these tunes which suits the close environment of Robadors 23. A little later on, Juan digs in with an overdriven tone and Fernández joins him in a simple ascending riff, played in unison, and the combined sound of guitar and saxophone can be felt directly to the chest, not just the ears – a sublime and practically telepathic moment.

MUT trio – if you thought about going and didn’t, you should have. Dave Foxall, Jazz Journal UK (May 2015)

 

A few years ago, I reviewed (favourably!) an album by the Miguel Fernández Quintet (“Transplanet Species”), I think it even made my Top 5 of 2011 list for Jazz Journal. I still play that disc every now and then and I was keen to finally hear Miguel Fernández play live and find out what he’s into these days. The answer seems to be something a little more abstract than his Quintet fare and none the worse for it. Adjectives that occurred were: painterly, impressionistic, moaning, dissonant, minimalist – all good words and an indication that the MUT Trio were overcoming the sterile atmosphere of the venue! MF’s sax was questing in its ebb and flow; Oriol Roca’s drums were busy yet delicate, playing the ‘whole kit’ for the broadest possible sonic palette; Albert Juan’s guitar was primarily textural and bass-heavy, adding washes of sound to the backdrop. The verdict? A mature-sounding improvising trio eschewing the relentless blowing of clichéd free jazz in favour of something more sophisticated, transporting, and no less free-sounding. Dave Foxall, A Jazz Noise (January 2015)

 

“Hace unos años y como fruto de unas sesiones sin otra finalidad que la de tocar por diversión, Fernández, Juan y Roca decidían prolongar la vida de aquel encuentro y formar el trío MUT. En 2010, el netlabel Whatabout Music publicaba en su web y en descarga libre su primer trabajo, el mini LP 1374 apenas un cuarto de hora de música pero en la que ya se vislumbraban las principales características de su música. El presente trabajo, segundo y de mayor duración, prosigue el trayecto exploratorio del anterior, profundizando en algunas cosas que tan sólo quedaban apuntadas en su predecesor, y aportando nuevas perspectivas al quehacer del conjunto. Una de las primeras cosas que hay que señalar de ellos para aquellos que no los conozcan es que se trata de una formación integrada por tres músicos de distinto pelaje. Por ejemplo, el navarro Miguel Fernández es un saxofonista eminentemente bopero. Su toque es claramente pos-coltraneano, y desde ahí sabe plantarse en esos terrenos indómitos que requiere el trío en muchos pasajes (cosa que no saben hacer muchos de su misma y exigente escuela, nacionales y extranjeros), y estoy pensando en sus caracoleos en el tema Deimos. El guitarrista Albert ‘Tito’ Juan, es un tipo que se mueve en un terreno estético escurridizo: me fascina su toque cool, pero lo es sólo a medias (¿cool reluctante?). Y finalmente Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti, también en descarga libre en Whatabout Music), que naturalmente aquí también aplica, y que jamás reniega de género o recurso alguno. 2395 es una confitura de frambuesa (¡más fruta roja!), oscura pero dulce. Tiene unsurrealisme faible, leve y suave; música que parece estar urdida más con ideas extramusicales que con plantillas jazzeras. Y, no obstante, lo que escuchamos es jazz; un jazz en su acepción más contemporánea (no hiramos susceptibilidades). Ahí tenemos esa original versión que hacen de Oh Bess, Where Is My Bess, de Gershwin, o algunas de las fabulosas (de fábula) composiciones de Juan, como Apaga el cielito lindo o Insider, o la introspectiva Mutea de Fernández. Pero, más allá de esto, es esa yuxtaposición de modos que mencionaba antes lo que da al MUT Trio ese toque tan particular, tan interesante y tan sugestivo. Tan de ellos (y permítaseme aquí hacer un inciso, y es que es en sus directos donde lo dicho hasta ahora cobra todo su relieve: cosa que podemos apreciar aquí en parte en los tres capriccios, totalmente improvisados).” Germán Lázaro, Cuadernosdejazz (April 2012)

 

Dentro de lo que es el calendario semanal, el lunes puede y debe ser el mejor día para descubrir cosas. En el caso del MUT Trio no es un descubrimiento absoluto, pues ya llevan un par de años funcionando, y si no se les había visto en alguna de las pocas actuaciones que habían ofrecido, ahí había un MySpace con un puñado de temas para hacerse una idea (temas todos que formaban parte de su primer disco, 1374 , en Whatabout Music). La otra noche, además de inaugurar los “lunes de free ” de la sala Robadors 23 para el curso 2011/2012, el trío aprovechó para presentar el que será su segundo CD, un disco que en breve existirá físicamente gracias a un nuevo sello bilbaíno. Vayamos con el trío MUT, “mudo” en catalán, un nombre que ya nos refiere al silencio, a estar callado (como aquella música de Mompou), y por tanto a calma, quietud antes que ajetreo. Desplegaron su equipaje musical sin exhibicionismo. Más bien como los niños muestran los juguetes de su caja. Hubo una ingenuidad que resultaba reconfortante. Los bloques musicales, temáticos y estilísticos, se sucedieron con naturalidad, sin retórica alguna, a veces descuidadamente, lo que propició algunos saltos y conexiones abruptas (de agradecer, para mí). Como quien encuaderna una serie de dibujos sin un mismo asunto. Los temas más desarrollados se abrochaban entre sí con otros que surgían y en los que, a su vez, se adivinaba el embrión de otro posible tema. Su sentido de la improvisación fue totalmente de juego, naíf, desprovisto de gravedad y sin caminos hacia el interior. Con todo, hubo algunas intervenciones de Fernández muy agitadas, con rabiosas aliteraciones, en las que sí parecía que se nos abocaba a alguna profundidad. Su papel de solista le mantuvo entrando y saliendo de escena, a veces con dramatismo pero nunca excesivo. Por otra parte, Juan y Roca estuvieron constantemente emparejados, creando bases con el punto de consistencia necesario. Abundaron las figuras rítmicas de Roca, cercanas pero de difícil adscripción y sin excederse en la duración, lo que fomentó en todo momento el dinamismo en el discurrir general. Fue un concierto sencillo, encantador por momentos y con una notable producción de ideas. Un inciso final. Así como en mayor o menor medida conocía el trabajo de Fernández y Roca (y especialmente el de este último) y me gustaba, no había escuchado nunca al guitarrista y la verdad es que quedé prendado de su toque. Con la sonoridad nítida de la guitarra de caja y con una técnica muy pulcra y clara, sin emborronamientos, llevó a cabo un trabajo imprevisto y, al menos para mí, sorprendente. Acordes que se mostraban limpios pero sonaban misteriosos. Solos punteados con parsimonia, no excesiva en este caso. Lentitud proverbial. Lógico sin resultar convencional. Manejando un vocabulario jazzístico pero derivándolo a otra parte. Y, tanto en los acompañamientos como en los momentos en que cobraba más relieve, especialmente en los dúos con Roca (doom cool???).” Jack Torrance, Tomajazz (October 2011)

 

Este trio de música improvisada, así es como se definen, se adentra en una faceta poco habitual del jazz. Tenemos ante nosotros el segundo trabajo de este singular trio formado por Miguel Fernández al saxo tenor, Albert Juan con la guitarra eléctrica y Oriol Roca a la batería. “Mut” significa mudo en catalán, imagino que algo tendrá que ver este significado con el misticismo libre de este álbum. El trio se formó en el año 2009. Y de los esporádicos ensayos surgió la idea de registrar esta música. La utilización de recursos literarios como medio de inspiración para la improvisada formación, es uno de los pretextos principales de “MUT trio / 2395”. Los tres componentes de este trío llegaron a las puertas del sello bilbaíno Moskito Records. Allí aceptaron esta atrevida propuesta, la cual yo tampoco dudaría en apoyar. Con los tiempos que corren, las discográficas se lo piensan más de dos veces antes de editar un disco. Desde aquí les lanzo una propuesta: “apoyen los vinilos, que jamas se fueron y que ahora recuperan adeptos día a día”. Creo que son la solución, por este motivo MUT trio /2395 también se edita en vinilo, pero no es un vinilo cualquiera, es un vinilo blanco. El resplandeciente trío, utiliza el trampolín del free jazz despiadado, para llegar a una optimización de su música, con la intención de que los jazzmans de a pie se sientan cómodos y sensibles, a los kafkianos acordes. Hace ya unos cuantos años, Ornette Coleman pasó por los escenarios del norte de España. En un primer concierto, apenas habían 30 personas, la excusa fue que no se entendía lo que tocaba. Unos cuantos años más tarde, se supo que el posible causante de todo era la ignorancia, Ornette Coleman pasó a ser moda. El free jazz, hay que escucharlo y desgranarlo, analizarlo sin buscar más allá. Es como el arte abstracto, que te gusta o no te gusta. Con una sugerente carátula este nuevo álbum de MUT trio, denominado 2395, ha sido grabado más para ser escuchado, que para ser tocado. Por cierto, la numerología que da nombre al disco, “es muy significativa para nosotros”, nos comenta Miguel. Lo refleja la frase de la contraportada escrita por German Lazaro aka Jack Torrance: “Bajo el manto salado, tras los campos cereza, una es dos, también tres lo fue”. Saxsounds Magazine (March 2012)

 

3369…tiene que ser algo más que una cifra. Es una serie numérica que esconde quizá una regla mnemotécnica: 3+3=6 +3=9… El 3 como base en un planteamiento aritmético, pero también geométrico: 9/3= 3… Este consolidado trío, que se fundó en 2009, sorprende desde la primera escucha. En él se alternan piezas cortas con largas en un orden que anticipa un uso narrativo o, por qué no, combinatorio, que es cómo las matemáticas cuentan una historia con algo de azar. No vamos a negar, ni creo que sea la pretensión de los músicos, que existen inevitables vínculos de filiación con el sonido y el espacio del histórico de Motian-Lovano-Frisell. Puesto que sería difícil abstraerse a su fuerza gravitaroria con este formato e intenciones, construyendo ese lirismo desvaído, ese nervio cruzado y metálico entre planos en suspenso. Saxo, guitarra y batería, mil formas de conjugar química y física desde las matemáticas. Habla MUT de textos literarios al referirse a sus temas, una intención narrativa que parece sujetarse con “If I only had a brain”, pieza lo suficientemente evocativa (El Mago de Oz, Bill Frisell y Elvis Costello) para posibilitar un inesperado espacio de “realismo mágico” a “Jalisco no te rajes”… Y es cierto que se aprecia un cierta intención de relato traído al mundo oral más espontáneo de la improvisación, como también sucedía con el trío de Motian en aquél primer disco que tenía -no por casualidad- el literario título de It should have happened long time ago… Pero esto es sólo el comienzo que sirve para situarnos en lo dicho, en un sonido y un espacio de aperturas y ángulos, de planos y climas, aunque también de líneas que pueden sugerir el lenguaje de Ornette Coleman (esa aparición de “folclore” antes que standards) o incluso, en esa estructura lineal acabada aunque no evidente, por Lee Konitz. Pero la lectura es otra, porque el relato ya no es el mismo aunque tenga un prólogo conocido. Un grupo a seguir.” Jesús Gonzalo, Tomajazz (March 2014)

 

“La teoría de cuerdas pone de manifiesto que cualquier objeto puntual en realidad está conectado con un todo, con un global, al que está unido mediante vibraciones o alteraciones de la materia”. Estas vibraciones bien pueden producirse mediante la música, como la que hubo el pasado domingo por la tarde en el Centro Cultural del Matadero. MUT Trío es una banda de free jazz improvisado compuesta por Albert Juan a la guitarra, Oriol Roca en la batería y Miguel Fernández como líder y saxofón tenor y soprano. A este trío y con motivo de la gira en la que se encuentran inmersos se les ha unido el virtuosísimo contrabajista Masa Kamaguchi, todo un lujo poder contar con un músico de esta talla, pero para ser justos, los cuatro músicos eran realmente buenos y es lógico, improvisar no es sencillo. La improvisación no existe, o quizá sí, pero no deja de ser una explosión creativa en el mismo instante, y esta explosión se basa en nuestro subconsciente, en nuestro todo, de nuevo revisando la teoría de cuerdas para buscar una melodía, un fraseo, pasarlo por la deconstrucción del free jazz y lanzarlo al mundo. Para esto hace falta un amplío conocimiento musical de modo que uno pueda estar en distintos estados a la vez. Aparte que la improvisación no es sencilla, tampoco es fácil hacerse entender con otros tres tipos en una jerga que estás pactando en ese momento. Con ello se alcanzaban grandes cotas de belleza, aunque los cenits en alguna ocasión venían precedidos de frecuencias de búsqueda, inquietantes, delicadas, buscando el hueco por el cual los cuatro podían comunicarse con todo el público. De esta manera se pudo llegar a escuchar una versión deconstruida en modo free jazz del popular tema “Ay Jalisco no te rajes”, uno de los instantes más bonitos y curiosos de todo el concierto. Además, aprovechando el silencio sepulcral que se forma en casi todos los conciertos que se celebran en el Centro Cultural del Matadero, generaron una pausa que casi pareció una versión del tema 4’33’’ de John Cage, para poco a poco ir adentrando los instrumentos hasta formar una nueva frecuencia efervescente y brillante, un brillo tan intenso que parecía estar roto. Durante hora y media estuvieron dando un repaso a todos los espectros del jazz, desde la pausa en la que se oían todos los movimientos de los músicos hasta la efervescencia más epiléptica, incluso las dos seguidas, pausa/ritmo/pausa. El jazz es un terreno de exploración y conocimiento. Para terminar el concierto, Miguel Fernández cogió el micrófono para agradecer a todo el público la asistencia, presentar a la banda e interpretar una última pieza con la cual se despidieron tras un largo aplauso de todos los asistentes. Una despedida a la que se une la programación musical del Centro Cultural del Matadero, pero tranquilo, es sólo hasta septiembre, hasta entonces tocará inventarse algo o escuchar más jazz, el estilo de música más bello después del silencio.” Antonio Romero, Agitado pero no mezclado (June 2014)

Giovanni Di Domenico & Oriol Roca

GIOVANNI DI DOMENICO & ORIOL ROCA

 

GIOVANNI DI DOMENICO: piano, fender rhodes, electronics
ORIOL ROCA: drums & percussion

 

“Frenetic rhythms, spastic melodies, yet oddly tuneful. I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest, and pianist Giovanni di Domenico is an excellent foil for Roca on this recording.” Bird Is The Worm (USA)

 

Italian piano player Giovanni Di Domenico (Nate Wooley, Arve Henriksen, Jim O’Rourke) and Spanish drummer Oriol Roca started playing together fifteen years ago. It’s not only friendship what kept them playing through the years in so many different musical situations in the french, belgian and italian jazz improv scene next to Jeroen van Herzeele, Brice Soniano, Manolo Cabras or Alexandra Grimal. They understand music in a very similar way.

 

An incessant search for new sounds, the joy for exploration combined with an unorthodox musical background brought them together as a duo on 2010, digging into the sound possibilities of their acoustic instruments, density and space, a kind of “live research” on new textures and colors through what it’s mostly improvised music.

 

After Sounds Good (Spocus Records 2012) and Live in Centelles (Whatabout Music 2015) a new duo album will be released on 2017.

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DISCOGRAPHY

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El atleta que salta con pértiga y se eleva unos metros sobre el suelo lo hace con la certeza de que allá abajo queda un colchón que amortiguará su caída. Acelera a la carrera durante unos metros, posiciona la pértiga para impulsarse, gira su cuerpo en el aire y procura sobrepasar el listón sin derribarlo. Ese es su itinerario, la partitura de su recorrido. El músico que improvisa cuenta con el colchón de su experiencia, con el bagaje de exploraciones fallidas en las que aprendió a desarrollar algunos mecanismos de defensa, pero si cae lo hará con todo el equipo. No hay más itinerario programado que, quizá, el del tiempo pactado y alguna obsesión sobre la que se ha dado vueltas antes, pero no hay partitura del recorrido. Caer de pie sin derribar el listón no depende tanto de automatismos como de la capacidad para evitarlos.

El espectador de atletismo se eleva con el salto y salta si el listón no cae. El espectador de un concierto puede elevarse en ocasiones por la exhibición atlética de un músico, pero la elevación tiene consecuencias más duraderas si esta exhibición lo es más de emociones profundas que de músculo virtuoso. También si el listón de sus expectativas quedaba a una altura que los músicos superan con holgura. Depende, claro, de dónde quedara puesto el listón previo. En el caso del dúo entre el romano Giovanni di Domenico y el barcelonés Oriol Roca, el mío no estaba precisamente bajo, pero en la apertura del Festival de Jazz de Vic ese listón se veía minúsculo desde allá arriba.

Discurrido un siglo de historia del jazz, ha habido tiempo más que suficiente para el establecimiento de patrones lingüísticos y estéticos concretos. Se pueden reproducir y, en esa reproducción, vestir con pequeños detalles propios. No es muy diferente a la rutina del atleta. Es una opción. Legítima. Muy frecuente. Muy defendida. Hay otras, no necesariamente antagónicas pero sí divergentes, también complementarias. Oriol y Giovanni son de los que exploran la divergencia, sin olvidarse de los elementos que son propios del canon y que pueden complementarse en absoluta armonía con ellos. No suben a escena con traje de época, sino que hacen música de su tiempo. En la pegada de Oriol no hay sólo tradición jazzística, aunque pueda ser tan “tradicional” como un Paul Motian, y en la relación de Giovanni con el piano hay tanto una actitud punk como una obsesión circular y minimalista, electrónica si me apuran, así como un toque de indudable elegancia jazzística.

Lejos de la mecánica de la predicción, el itinerario musical de Giovanni di Domenico y Oriol Roca ofreció en la apertura de Vic momentos de belleza singular, enmarcados por una sincronización perfecta de voluntades y deseos compartidos. Se ven poco porque la distancia y las agendas son así, pero hay entre ellos sintonía de hermanos. Crean partituras impredecibles, porque hay en el italiano un nervio que salta a la mínima sugerencia y que el catalán sabe reconducir e interpretar con una lógica apabullante. Son libres y tienen la disciplina para serlo. Cayeron de pie y nos hicieron saltar. Atletas del alma. Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz (May 2016)

 

Au piano, Giovanni Di Domenico disperse les notes au gré des courants. Prêche une angoisse latente. Laisse s’épanouir l’espace. Etale la phrase. Aime à filtrer les mêmes sentiers. Frôle le sirop ECM. Emprunte la résonance à Monsieur Paul Bley. Déambule et, encore, étale. Consulte le drame. Censure sa main gauche. Racle le plus profond des fréquences graves. Retrouve l’angoisse originelle. A la batterie, Oriol Roca martèle amoureusement ses fûts. Laisse la vibration se fendre jusqu’à terme. Emprunte la résonance à Monsieur Paul Motian. Convoque un tempo métronomique sur cymbale usée. Abuse le bol tibétain. Ce que font pianiste et batteur n’est pas nouveau, n’est pas révolutionnaire. Mais sensible: assurément. Le Son du Grisli (April 2016)

 

El baterista Oriol Roca no sólo está desarrollando una interesante carrera dentro de nuestro país en grupos como MUT Trío, o junto a Giulia Valle y David Mengual por citar algunos. También tiene un reconocimiento más allá de nuestras fronteras con grupos como VRAK’ Trio, la Piccola Orchestra Gagarin, o con el pianista Giovanni Di Domenico, tal y como ocurre en Sounds Good, publicada en 2012 en el sello belga Spocus Records. En esta grabación se incluyen siete improvisaciones, más dos temas compuestos por cada uno de los músicos. Roca y Di Domenico establecen una relación musical entre iguales. Esto no quiere decir que no haya momentos en que uno de los dos sea quien se erija en la voz cantante, sino que van cediendo ese papel cuando no están en un plano de igualdad. Los temas resultan sumamente variados. “Hermafrobeat” resulta muy animado. “Music Not Going Anywhere” es una de las joyas del CD: su título no es únicamente una declaración de intenciones, sino la mejor descripción que se puede hacer a la exploración sonora de ambos músicos. “Neve Marina” casi se podría calificar de música programática. “Song For Masha” es un precioso tema de Oriol Roca. En “Don’t Doubt Here Doubt There” ambos músicos dan una buena lección de cómo trabajar con la tensión musical. “Avoid A Void” es otro tema muy bonito con el piano goteando sus notas, mientras que “H.I.M.R.” es una composición de Di Domenico solemne, lírica, en la que el espacio y el silencio son elementos fundamentales. Pachi Tapiz, Tomajazz (April 2014)

 

A short record of piano/percussion avant-jazz between Giovanni di Domenico (Arve Henriksen, Nate Wooley, Jim O’Rourke) and Oriol Roca. Di Domenico is here in acoustic mode – and so is Roca. Improvisation or composition? Surely a little of both – some stop/go moments are simply too well coordinated to be freely improvised. Pieces are short, delicate, often melancholic without getting sappy. Roca often restricts himself to a few percussion instruments and get the most nuances out of them. Sounds Good is an unpretentious and quite convincing meeting. François Couture, Monsieur Délire (April 2014)

 

Questa collaborazione con il batterista Oriol Roca sposta il suo baricentro su quelle movenze contemporanee che erano appena accennate in “Ghibli” e “Seminare Vento”. “Soundabout” vi introduce ad un clima quasi Ligetiano, per poi comunque rientrare in una “pensosità” espressiva coadiuvata da effetti percussivi che rendono il linguaggio sospensivo; in “Sounds good” trovate tutto il polistilismo di Giovanni: gli spazi atonali, la ricerca di un giusto equilibrio tra silenzio e note, le percussioni che si muovono sommessamente sullo sfondo, e, in quantità minori l’amebluement trasversale di Satie e le angolature di Monk; in “Avoid the void” si avvertono persino brevi scampoli di minimalismo; ma la cosa che colpisce è il validissimo tocco pianistico che segue canoni di raffinatezza che appartengono al mondo degli esecutori classici. Ettore Garzia, Percorsi Musicali (January 2013)

 

Frenetic rhythms, spastic melodies, yet oddly tuneful.  I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest, and pianist Giovanni di Domenico is an excellent foil for Roca on this recording.  Totally random, but would be interested to learn if the song “Hermafrobeat” sends anyone else’s cats into a crazed tailspin like it does mine. Dave Summer, Bird Is The Worm (October 2013)

PICCOLA ORCHESTRA GAGARIN · New album

Piccola Orchestra Gagarin second album Vostok has just been released!!

 

PAOLO ANGELI: prepared Sardinian guitar, vocals

SASHA AGRANOV: cello, vocals

ORIOL ROCA: drums and percussion

 

“Vostok is fearless Mediterranean fusion with a Cold War space exploration theme and an absence of unnecessary formalism. Sounds good to me… and it sounds better with each listen ” Dave Foxall, A Jazz Noise

 

“En serio, el salto que ha dado el grupo de seis años a esta parte es cósmico. Si el primer disco era la grabación de su segundo concierto, fundamentado en la casi más absoluta improvisación, ahora nos ofrece una versión de estudio (pre)meditada, muy bien estructurada y con la novedad de la incorporación de varios temas con firma” Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz

 

“Il trio fornisce una serie di input all’ascoltatore, input talmente forti che l’ascolto di “Vostok” diventa una di quelle esperienze che, seppure per soli quaranta minuti, ti inchiodano alle cuffie o alle casse dello stereo” Gianluca Dessì, Blogfoolk

 

 

 

 

Check out this live session at www.totssants.com

 

PICCOLA ORCHESTRA GAGARIN – VOSTOK

Vostok

Artist : Piccola Orchestra Gagarin

Release Date : July 18, 2016

Label : Whatabout Music

Format : CD

All music composed and arranged by Piccola Orchestra Gagarin. Except Piaghesa (elaboration on Sardinian traditional song by Paolo Angeli), Krutitsa vertiysa shar goluboy (elaboration on Russian traditional song by Sasha Agranov). Recorded at Dry Town Studios, February 9th 2016 Barcelona. Sound engineer: Dave Bianchi. Mixing and editing: Dave Bianchi. Produced by Piccola Orchestra Gagarin © Associated producer: Anma Productions / Le Arti Malandrine / Whatabout Music. Distribuited by Goodfellas and Rer Megacorp. Photos: Xavi Puig & Nanni Angeli. Art Design: Hertog Nadler.

 

Go to PICCOLA ORCHESTRA GAGARIN

Buy album:

Piccola Orchestra Gagarin lives up to its name in every way. It’s small because there are only three players, but it sounds like an original orchestra (with instruments tuned to that point). And (Yuri) Gagarin is a nod to history’s first cosmonaut launched into space, with whom they share the same uncertainty when they go up on stage, never rehearsed.

 

This trio with the Italian Paolo Angeli (Sardinian prepared guitar), the Russian Sasha Agranov (cello) and Catalan Oriol Roca (drums) has released their second album “Vostok” honoring the spaceship Yuri Gagarin used on the first flight on April 1961.

 

Paolo Angeli: prepared sardinian guitar, vocals

Sasha Agranov: cello, saw, vocals

Oriol Roca: drums, percussion

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Creo que fue Tom Waits quien dijo que aborrecía las emisoras de radio musicales temáticas, algo habitual en su país pero ajeno al nuestro, abandonada como está a su suerte la radio digital en España. Razón no le falta al estadounidense, nada más estrecho de miras que un mundo monocorde. Por eso creo que le gustaría el segundo disco de la Piccola Orchestra Gagarin, porque sin ser una emisora sí es un emisor de diversidad. Será que desde el espacio se puede tomar perspectiva de la riqueza musical del planeta.

Vostok, relevo de aquel peculiar menú de degustación que fuePlatos Combinados, es el nombre de la nave en la que viajó el astronauta Yuri Gagarin. El ruso, primer humano en viajar al espacio, falleció irónicamente en accidente de aviación, hecho que la POG conmemora aquí con una marcha fúnebre, himno doliente sobre el que bien hubiera podido recitar Waits, megáfono en mano, firma del baterista Oriol Roca. Y es que en esta carrera músico-espacial, el trío barcelonés se instaló desde el inicio en el terreno de la ironía, incluso involuntaria, como la de abrir disco dedicando un tema a Mandla Maseko, anunciado como el primer africano negro en viajar al espacio. Todavía está esperando.

Ironías aparte, lo de la POG es algo muy serio, aunque su presencia escénica, embutidos en unos peculiares trajes espaciales, invite a la chanza. En serio, el salto que ha dado el grupo de seis años a esta parte es cósmico. Si el primer disco era la grabación de su segundo concierto, fundamentado en la casi más absoluta improvisación, ahora nos ofrece una versión de estudio (pre)meditada, muy bien estructurada y con la novedad de la incorporación de varios temas con firma. Se mantiene el sello del inconfundible canto sardo de Paolo Angeli en Piaghesa, y se incorpora Sasha Agranov con una nana tradicional rusa que le cantaba su madre de pequeño, Krutitsa vertiysa shar goluboy, intensa, nostálgica, emotiva, biberón de alta graduación.

A Tom Waits creo que le podría gustar, porque el disco tiene incluso un punto canalla, y sobre todo porque se abre con sonoridades africanas que después son rusas para inmediatamente tornarse árabes al rendir homenaje a la grande entre las grandes de la canción epigcia, Oum Kalthoum. Siendo terreno instrumental, el trío capta muy bien los giros rítmicos y la estética de su música, ayudados en gran medida por la capacidad de mutación tímbrica de la guitarra de Angeli. Sin ser un continuo de improvisación como en el caso del anterior disco,Vostok va hilando temas con fluidez, como si el satélite fuera avanzando alrededor de la tierra y captando señales que la POG naturaliza e integra en su propio idioma, a medio caballo del rock progresivo, el folclore y el jazz.

Terreno indefinido, que no diluido, porque con tan poco arsenal instrumental la Piccola suena grande, poderosa, versátil, tierna incluso. A la espacial, melódica y, sí, tierna Cançó de bressol de Oriol Roca -Uri en su versión musiconauta– le sigue Crater malaria, un breve ejercicio de exploración colectiva, que marca ese tono de humor inocente y asombro extraterrestre del trío. Humor de bourbon en el brillante cierre de disco, cuando la música danza bajo unas palabras que, de forma pedagógica, aconsejan cómo afrontar los riesgos de la bomba atómica. Lo dicho, ¡la bomba! Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz

 

In 2013 I bought a CD (Marcel·lí Bayer’s “Les Narrations”, in case you’re interested) and with it came a free sampler disc, “Jazz from Catalonia 2012”. New to town, it was a good introduction to the variety of jazz and improvisation in Barcelona and one of the stand-out tracks was Piccola Orchestra Gagarin’s Corsicanskaya.

Now, here we are in 2016, and POG have a new disc available, “Vostok”, named after Yuri Gagarin’s planet-leaving craft from April 1961. The previous disc, “Platos Combinados” was a live recording, capturing POG’s quirky, charming, wry, folk- jazz explorations, and “Vostok” continues the same journey; if anything, travelling further afield.

This is a highly compelling album. There are multiple modes of entry – African rhythms, re-worked traditional songs, almost-classical grandeur, free noise, etc. – and you’re bound to be sucked in by at least one of them. Once inside, the kaleidoscopic, ever-transforming musical vista will keep you there as one facet leaps smoothly to the next. Not to mention Agranov’s agile and entrancing cello, Roca’s deceptive anti-rhythms and ear for detail, and Angeli’s chameleonic stringed grace. And yet, despite the broad variety of flavours, it all forms a completely natural whole.

The space and cosmonauts theme is established from the off, but with a difference. Mandla Maseko is or will likely be the first black African in space (excuse the uncertainty – Google?!) and so the disc starts with POG branching out into some African percussion rhythms. Other highlights include Krutitsa vertitsa shar goluboy which is more familiar POG territory, a take on a traditional Russian song of unrequited love sung by Agranov (after just one listen, I found myself humming the chorus refrain in the shower, which hopefully is a good thing…)

The counterpart to Krutitsa… is Piaghesa, a traditional Sardinian song with Angeli on vocals. Both songs offer that folk-y mix of wistful hope and melancholy but filtered through a willingness to experiment and explore. Between them bookend the group’s roots nicely. But wait, what about the third member of the triumvirate? Roca’s Catalan upbringing is represented by a couple of cançons of which the lullaby Cançó de bressol is particularly affecting with its stately, soothing, semi-classical vibe.

Meanwhile, Dum Kalthoum conjures the air of a souk  – hot, dusty, raw spices – with the angular drumbeats pushing all three in unexpected directions. Crater Malaria is pure free-form fun. And returning to space, Himne follows a BBC-ish announcement of Gagarin’s death with a powerful, sombre-yet-celebratory funeral march (and the homages to fallen cosmonauts continue with Laika come home).

We close with a dose of POG humour, as Duck and cover draws inspiration from a 1951 US civil defense film, advising children what to do, “when an atomic bomb explodes.” The upbeat, cheery music, complete with quirky bells, shakers and squeaky toys, is the perfect commentary on the straight-faced commentary that informs us that an atomic bomb may knock down signboard and, “break windows all over town.”

“Vostok” is fearless Mediterranean fusion (Agranov may have been born in St Petersburg but the family moved to Israel soon after) with a Cold War space exploration theme and an absence of unnecessary formalism. Sounds good to me… and it sounds better with each listen. Dave Foxall, A Jazz Noise

 

Secondo capitolo discografico per il trio formato dal violoncellista Sasha Agranov, il batterista Oriol Roca e il mentore Paolo Angeli con il suo strumento ibrido tra chitarra e contrabbasso con sezione ritmica inclusa. Il loro quartier generale è Barcellona, si sono conosciuti in un bar malfamato e hanno registrato l’album Platos Combinados, una lunga suite tra jazz, classica e elettronica. Tra mandolino, luneddas e altri strumenti atipici Vostok rilancia la fantasia di questo connubio unico e originale, con maggiore enfasi sulla parte ritmica: Mandla Maseko è una jam session con un mix di batteria in puro stile Stewart Coppeland con archi e pizzicato; Llama un brano fusion sospeso tra Branduari e Paolo Conte. Krutitsa e Himne fondono il sound di Nick cave con il mood di Tarantino; Oum Kalthoum ha un taglio classico ed è l’apice del pathos dell’album mentre Duck and cover è una bizzarra composizione blues con un lungo speech sovrainciso. Piaghesa come stile ed interpretazione mediterranea rendono la Piccola Orchestra Gagarin una sorta di Madredeus 2.0; con la stessa profondità è delicatezza, tra fado e canto. La contaminazione e l’energia del trio si riverberano soprattutto nell’esibizione dal vivo, una tempesta di suoni affascinante e coinvolgente. Guido Biondi, Il Fatto Quotidiano

 

Uno di quei dischi che sfugge a etichette e incasellamenti di qualsiasi natura. Jazz? World Music? Avant-garde? Divertissement? Tutte queste cose insieme, ma anche tanto di più. Il trio composto dal violoncellista russo/israeliano Sasha Agranov, dal chitarrista (e non solo…) Paolo Angeli e dal batterista e “rumorista” catalano Oriol Roca, al secondo lavoro, dopo l’altrettanto brillante “Platos Combinados”, fornisce una serie di input all’ascoltatore, input talmente forti che l’ascolto di “Vostok” diventa una di quelle esperienze che, seppure per soli quaranta minuti, ti inchiodano alle cuffie (nel mio caso) o alle casse dello stereo. Il melange sonoro, soprattutto gli intrecci fra il cello di Agranov e la chitarra “preparata” di Angeli, è talmente tight che risulta in alcuni momenti persino difficile distinguere i due strumenti (una delle peculiarità dello strumento del musicista sardo, una chitarra “sarda” equipaggiata con pedali, pick-ups, martelletti e persino delle eliche, è che può essere usata ad arco e a pizzico), come nel brano “Llama”, uno dei più belli del disco. La parte ritmica (spesso un ritmo de-strutturato o sovrapposto poli-metricamente a quello dei temi) è affidata a Oriol Roca, originale e sempre ben inserito nel contesto sonoro. “Vostok” è un omaggio all’astronauta sovietico Yuri Gagarin, primo uomo a viaggiare nello spazio, che morì, ironia della sorte, in banale incidente aereo. Molti sono le tracce che rimandano al mondo dell’astronautica, anche grazie all’uso di frammenti sonori con voci o interviste dell’epoca: dal brano d’esordio “Mandla Maseko”, intitolato al primo space-voyager sudafricano e che all’Africa deve sonorità (la chitarra ricorda evidentemente il timbro della kora) e drumming e dove appare la voce di Mandla-Maseko-himself , campionata in un’intervista, a “Laika Come Home” che ricorda la cagnetta che venne lanciata nello Sputnik 2, a “Himne” dedicato a Gagarin stesso. Curiosa la track “Duck and Cover”, dove il campione è di un documentario che invita a bambini a difendersi nel caso di… scoppio di una bomba atomica. Altri brani sono quelli dove l’ispirazione tradizionale è più forte: “Piaghesa”, con la voce di Angeli, a richiamare uno dei brani del repertorio del canto a chitarra, argomento sul quale il musicista sardo è un’ autorità in materia, avendo ad esso dedicato i suoi studi di etnomusicologo, fino alla pubblicazione del libro “Canto in Re”; il risultato non è così iconoclasta come nella “Corsicanskaya” dell’album precedente, ma di indubbio effetto. Poi “Krutitsa”, il cui tema, bellissimo, e anche facilmente memorizzabile, mutuato da un brano tradizionale russo. Apice del cd è “Canço de Bressol” composizione di Roca che, da un semplice tema, si sviluppa intrecciando distorsioni, eliche e post-rock: brano capolavoro ! In conclusione, un bel lavoro, solido, suonato bene, che lascia eguale spazio, anche a livello compositivo, ai tre musicisti i quali, e non è sempre scontato, mostrano anche di divertirsi parecchio, specie se vestiti da astronauti. Gianluca Dessì, Blogfoolk

 

Den italienske gitaristen Paolo Angeli, har de senere årene markert seg som en av de aller mest originale gitaristene sør for Klampenborg. Han har gjort en rekke soloplater, og plater og konserter med andre musikere i Italia, og med sin helt særegne gitar (prepared sardinian guitar), hvor strengene går i alle retninger, som gjør at han kan spille gitar, cello, fele og alle andre tenkelige strykeinstrumenter på en gitar. Så vidt jeg vet, så forefinnes det kun to gitarer i verden av dette slaget, den ene tilhører Pat Metheny og den andre Angeli.

I denne trioen har han med seg cellisten og vokalisten Sasha Agranow og trommeslageren Oriol Roca, i 11 låter, hvor de fleste er komponert i fellesskap.

Musikken er svært variert, og vi får musikk som kan være russisk inspirert, italiensk og fra områdene mellom de to landene.

Angeli er en glitrende gitarist, som utnytter den sardinske gitaren på sin helt spesielle måte. Han har full kontroll på alle strengene og sammen med cellisten Agranov, blir dette en plate med stryke/strengeinstrumentene i fokus. Roca blir på mange måter den som holder det hele sammen, ofte med litt tungt trommespill.

Vi får en reise i rommet sammen med de tre «astronautene», og det er liten tvil om at denne romferden foregår i et russisk romskip, for den musikken som fremføres er vel omtrent så langt fra den amerikanske musikken det er mulig å komme.

Hele veien er dette sjarmerende og morsomt. Vi tar med på en reise som er spennende, utfordrende og vital, med sjefsastronaut Angeli i storform.

Innimellom kommer det et og annet transportstrekk som ikke er av det mest spennende, men slik er det vel på en romferd. Det er først når de tre slår seg løs og slipper litt opp, at det spennende skjer. Og på «Vostok» skjer det ofte!

Dette er en slags hyllest til astronauten Yuri Gagarin, og i låta «Himne», av Roca, får vi en slags italiensk kjærlighetsballade, som jeg velger å tolke som en hyllest til Sovjets største romfarer.

Hele reisen ender med en advarsel om atombomben, i låta «Duck and Cover», en slentrende swinglåt, med akkurat passe utglidninger, og med en morsom tekst, og det hele blir et ironisk sleivspark til USA.

En morsom og spennende plate i grenseland mellom folkemusikk og jazz fra Russland til Italia, humor og ironi. Jan Granlie, Salt Peanuts

 

Ceux qui s’inquiètent de l’arrêt récent du programme de la navette spatiale américaine peuvent être rassurés, la relève est prête à entrer en action avec le trio Piccola Orchestra Gagarin (Paolo Angeli, Sasha Agranov, Oriol Roca). Les douze pistes sont très variés mais la fraicheur est omniprésente. On sent la bonheur d’être ensemble, de jouer, de creer et on imagine que le trio doit être excellent en live. Mais sur le CD il est déjà très bien. Ce trio n’est que de bonheur, et représente une étape intéressante dans la musique de Paolo Angeli, que je suives depuis quelques années maintenant. Ici, il a trouvé des complices à sa mesure, Roca est un batteur énergique et créatif. Un disque hautement recommandé, un voyage dans l’espace vraiment pas cher, merci au trois! Joël Pagier, Jazzman Magazine 

 

Si la improvisación es una exploración del espacio sonoro, la Piccola Orchestra Gagarin se lo toma al pie de la letra y viste de astronauta. Orchestra que, de tan Piccola, es sólo de tres: el ruso Sasha Agranov (chelo), el sardo Paolo Angeli (guitarra sarda preparada) y el barcelonés Oriol Roca (batería). Fans del ruso Yuri Gagarin (en los bandos de la carrera espacial eligen –por paralelismo con las condiciones laborales del jazz- a la cenicienta), sobrevuelan paisajes del planeta musical en una combinación muy particular de vuelos de improvisación libre que pueden aterrizar, si el giro orbital de la inspiración lo permite, en la estación de la música tradicional sarda (de la que Angeli es un experto con libro). La particularidad de su instrumentación, la falta de prejuicios y su escaso sentido del ridículo (ni la Unión Soviética más decadente permitiría semejantes trajes espaciales), les permiten ser cercanos al público más refractario y dar luz a una música estelar que lo mismo vuela muy alto que levanta el polvo de las carreteras secundarias. Carlos Pérez Cruz, El Asombrario 

Oriol Roca – Solo

ORIOL ROCA SOLO

 

ORIOL ROCA: drums, percussion and objects

 

“Perhaps it’s the restraint displayed by Roca that makes his solo album so compelling, but the forty minutes flew right by and I was sad when the album ended.” All About Jazz (USA)

 

Barcelona born drummer Oriol Roca had no intention to release a solo album. He didn’t even plan to perform solo, for that matter. And yet, La Tomba dei Giganti is his first outing under his own name. In August 2009, Paolo Angeli, an amazing Italian improviser, invited Oriol to perform at Isole che Parlano, an arts festival held in the tiny village of Palau, in the Italian island of Sardinia. Italian sound engineer Roberto Monari happened to be there with his recording equipment to document the festival. Oriol was struck to recognize himself so strongly in the music, and he realized it was closer to the way he felt about music than anything else he’d ever done before. And thats how Roca’s first ever solo album, recorded on the evening of his first ever solo performance, came to be.

 

When playing solo Roca expands his set using all kinds of cymbals, different drums, objects, metal bars, plastic bags, stones, toys, bags of sand, a cheap wood flute, kitchen utensils, mini bells, chinese sticks, an original 22″ Paiste gong from 70’s a good friend gave him… anything capable of creating sound is welcome to explore in a free musical form the infinite possibilities of textures, density, dynamics we’re all surrounded by.

 

“Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva, (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti).” Germán Lázaro, Cuadernos de Jazz (ESP)

 

“Oriol Roca est un batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles.” Claude Loxhay, Jazzaround (BE)

AUDIO

DISCOGRAPHY

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Perhaps it’s the restraint displayed by Roca that makes this track so compelling, but the five minutes flew right by and I was sad when the album ended. All About Jazz (USA)

 

Oriol Roca rebondit d’une rythmique à l’autre, colore plus qu’il ne percute, dessine des mouvements d’air plus qu’il ne structure Diane Gastellu, Citizenjazz (FR)

 

Oriol Roca, baterista aunque mejor sería decir percusionista, del que siempre he pensado que tiene una gran inteligencia instintiva, (escuchen sino su disco en solo La Tomba dei Giganti). Germán Lázaro, Cuadernos de Jazz (ESP)

 

Oriol Roca est un batteur doublé d’un percussionniste à la recherche de colorations nouvelles. Claude Loxhay, Jazzaround (BE)

 

Paolo Angeli, que je suis depuis quelques années maintenant, ici il a trouvé un complice à sa mesure: Oriol Roca est un batteur énergique et créatif. Joël Plagier, Jazzman Magazine (FR)

 

Roca enters into another complex and unpredictable series of patterns which would serve most other drummers as a solo, but here it’s simply his agile contribution to the landscape. Dave Foxall, Jazz Journal (UK)

 

I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest Dave Summer, Bird is the Worm (USA)

 

El baterista Oriol Roca no sólo está desarrollando una interesante carrera dentro de nuestro país en grupos como MUT Trío, o junto a Giulia Valle y David Mengual por citar algunos. También tiene un reconocimiento más allá de nuestras fronteras con grupos como VRAK’ Trio, la Piccola Orchestra Gagarin, o con el pianista Giovanni Di Domenico, tal y como ocurre en Sounds Good, publicada en 2012 en el sello belga Spocus Records. Pachi Tapiz, Tomajazz (ESP)

 

El més significatiu d’aquest treball és que ens trobem davant d’un dels escassos bateries – i músics en general – capaços de construir amb el seu instrument un bell i poètic discurs narratiu. Martí Farré, Nativa (ESP)

 

Oriol Roca è un batterista eccezionale: flessibile e perfettamente a suo agio nei poliritmi e capacissimo di suonare anche al di fuori della pulsazione, una spalla perfetta per gli altri musicisti. Andrea Aguzzi, Italia Paperblog (IT)

GIOVANNI DI DOMENICO & ORIOL ROCA – LIVE IN CENTELLES

Live in Centelles

Artist : Giovanni di Domenico & Oriol Roca

Release Date : October 1, 2015

Label : Whatabout Music

Format : Digital

Produced by Giovanni di Domenico and Oriol Roca
All compositions by Giovanni di Domenico and Oriol Roca
Recorded live at Casal Francesc Macià (Centelles, Spain) on April 13th 2014 Recording engineer: Dave Bianchi. Mixed and mastered by Dave Bianchi and Oriol Roca at Dry Town Studios (Barcelona) Whatabout Music 2015

Go to GIOVANNI DI DOMENICO & ORIOL ROCA

Buy album:

Live in Centelles is Giovanni di Domenico & Oriol Roca second album recorded live at Cicle de Jazz i Músiques Improvisades de Centelles on April 13th 2014 at Casal Francesc Macià.

 

 

  • Giovanni di Domenico: piano
  • Oriol Roca: drums

 

Whatabout-Music.com

 

 

Press

 

El atleta que salta con pértiga y se eleva unos metros sobre el suelo lo hace con la certeza de que allá abajo queda un colchón que amortiguará su caída. Acelera a la carrera durante unos metros, posiciona la pértiga para impulsarse, gira su cuerpo en el aire y procura sobrepasar el listón sin derribarlo. Ese es su itinerario, la partitura de su recorrido. El músico que improvisa cuenta con el colchón de su experiencia, con el bagaje de exploraciones fallidas en las que aprendió a desarrollar algunos mecanismos de defensa, pero si cae lo hará con todo el equipo. No hay más itinerario programado que, quizá, el del tiempo pactado y alguna obsesión sobre la que se ha dado vueltas antes, pero no hay partitura del recorrido. Caer de pie sin derribar el listón no depende tanto de automatismos como de la capacidad para evitarlos.

El espectador de atletismo se eleva con el salto y salta si el listón no cae. El espectador de un concierto puede elevarse en ocasiones por la exhibición atlética de un músico, pero la elevación tiene consecuencias más duraderas si esta exhibición lo es más de emociones profundas que de músculo virtuoso. También si el listón de sus expectativas quedaba a una altura que los músicos superan con holgura. Depende, claro, de dónde quedara puesto el listón previo. En el caso del dúo entre el romano Giovanni di Domenico y el barcelonés Oriol Roca, el mío no estaba precisamente bajo, pero en la apertura del Festival de Jazz de Vic ese listón se veía minúsculo desde allá arriba.

Discurrido un siglo de historia del jazz, ha habido tiempo más que suficiente para el establecimiento de patrones lingüísticos y estéticos concretos. Se pueden reproducir y, en esa reproducción, vestir con pequeños detalles propios. No es muy diferente a la rutina del atleta. Es una opción. Legítima. Muy frecuente. Muy defendida. Hay otras, no necesariamente antagónicas pero sí divergentes, también complementarias. Oriol y Giovanni son de los que exploran la divergencia, sin olvidarse de los elementos que son propios del canon y que pueden complementarse en absoluta armonía con ellos. No suben a escena con traje de época, sino que hacen música de su tiempo. En la pegada de Oriol no hay sólo tradición jazzística, aunque pueda ser tan “tradicional” como un Paul Motian, y en la relación de Giovanni con el piano hay tanto una actitud punk como una obsesión circular y minimalista, electrónica si me apuran, así como un toque de indudable elegancia jazzística.

Lejos de la mecánica de la predicción, el itinerario musical de Giovanni di Domenico y Oriol Roca ofreció en la apertura de Vic momentos de belleza singular, enmarcados por una sincronización perfecta de voluntades y deseos compartidos. Se ven poco porque la distancia y las agendas son así, pero hay entre ellos sintonía de hermanos. Crean partituras impredecibles, porque hay en el italiano un nervio que salta a la mínima sugerencia y que el catalán sabe reconducir e interpretar con una lógica apabullante. Son libres y tienen la disciplina para serlo. Cayeron de pie y nos hicieron saltar. Atletas del alma. Carlos Pérez Cruz, El Club de Jazz (May 2016)

 

El baterista Oriol Roca no sólo está desarrollando una interesante carrera dentro de nuestro país en grupos como MUT Trío, o junto a Giulia Valle y David Mengual por citar algunos. También tiene un reconocimiento más allá de nuestras fronteras con grupos como VRAK’ Trio, la Piccola Orchestra Gagarin, o con el pianista Giovanni Di Domenico, tal y como ocurre en Sounds Good, publicada en 2012 en el sello belga Spocus Records. En esta grabación se incluyen siete improvisaciones, más dos temas compuestos por cada uno de los músicos. Roca y Di Domenico establecen una relación musical entre iguales. Esto no quiere decir que no haya momentos en que uno de los dos sea quien se erija en la voz cantante, sino que van cediendo ese papel cuando no están en un plano de igualdad. Los temas resultan sumamente variados. “Hermafrobeat” resulta muy animado. “Music Not Going Anywhere” es una de las joyas del CD: su título no es únicamente una declaración de intenciones, sino la mejor descripción que se puede hacer a la exploración sonora de ambos músicos. “Neve Marina” casi se podría calificar de música programática. “Song For Masha” es un precioso tema de Oriol Roca. En “Don’t Doubt Here Doubt There” ambos músicos dan una buena lección de cómo trabajar con la tensión musical. “Avoid A Void” es otro tema muy bonito con el piano goteando sus notas, mientras que “H.I.M.R.” es una composición de Di Domenico solemne, lírica, en la que el espacio y el silencio son elementos fundamentales. Pachi Tapiz, Tomajazz (April 2014)

 

A short record of piano/percussion avant-jazz between Giovanni di Domenico (Arve Henriksen, Nate Wooley, Jim O’Rourke) and Oriol Roca. Di Domenico is here in acoustic mode – and so is Roca. Improvisation or composition? Surely a little of both – some stop/go moments are simply too well coordinated to be freely improvised. Pieces are short, delicate, often melancholic without getting sappy. Roca often restricts himself to a few percussion instruments and get the most nuances out of them.Sounds Good is an unpretentious and quite convincing meeting. François Couture, Monsieur Délire (April 2014)

 

Questa collaborazione con il batterista Oriol Roca sposta il suo baricentro su quelle movenze contemporanee che erano appena accennate in “Ghibli” e “Seminare Vento”. “Soundabout” vi introduce ad un clima quasi Ligetiano, per poi comunque rientrare in una “pensosità” espressiva coadiuvata da effetti percussivi che rendono il linguaggio sospensivo; in “Sounds good” trovate tutto il polistilismo di Giovanni: gli spazi atonali, la ricerca di un giusto equilibrio tra silenzio e note, le percussioni che si muovono sommessamente sullo sfondo, e, in quantità minori l’amebluement trasversale di Satie e le angolature di Monk; in “Avoid the void” si avvertono persino brevi scampoli di minimalismo; ma la cosa che colpisce è il validissimo tocco pianistico che segue canoni di raffinatezza che appartengono al mondo degli esecutori classici. Ettore Garzia, Percorsi Musicali (January 2013)

 

Frenetic rhythms, spastic melodies, yet oddly tuneful.  I’ve been poking around drummer Oriol Roca‘s music for a couple years now, and he always finds a way to gain interest, and pianist Giovanni di Domenico is an excellent foil for Roca on this recording.  Totally random, but would be interested to learn if the song “Hermafrobeat” sends anyone else’s cats into a crazed tailspin like it does mine. Dave Summer, Bird Is The Worm (October 2013)

BAD MUSIC JAZZ #145 by Martí Farré (interview)

Audio interview (in catalan) on Bad Music Jazz radio show hosted by Martí Farré. Focused on the second album in duo with Giovanni Di Domenico Live in Centelles recently released onthe label Whatabout Music, we also discuss my 2010 solo album La Tomba dei Giganti or the upcoming album by Bad Currency.

(…) Pioner del nou free jazz comtal, l’avantguardista avant la lettre Oriol Roca (Barcelona, 1979) és avui un dels bateries més sol·licitats de la parròquia funàmbula del jazz nostrat. Ha posat les baquetes al servei de projectes com el Libera de Giulia Valle, el trio de Joan Díaz, la Free Spirits Big Band i l’Slow Quartet de David Mengual, el Bad Currency de David Soler i la Piccola Orchestra Gagarin de Paolo Angeli, entre molts d’altres. A Oriol Roca també se’l coneix per les seves col·laboracions a l’altra banda dels Pirineus, a França i al Benelux, entre altres indrets. Menys conegut, però, és el seu vessant com a creador, de líder d’un seguit de propostes com ara per exemple el duet que manté amb un vell amic de l’escena italiana: el pianista Giovanni di Domenico. Al programa d’aquesta setmana parlem amb Oriol Roca del seu duet amb Di Domenico i d’altres fites de la seva prolífica biografia. (Listen to the complete interview)

CELESTE CANTA ANTONIO MACHÍN

CELESTE Canta Antonio Machín

Artist : Celeste Alías
Release Date : August 15, 2014
Label : Whatabout Music
Format : CD

Recorded at Local Catalunya d’Avinyó on July 2013

Mixed by Quim Puigtió at Grabaciones Silvestres

Mastered by Yves Roussel

Go to CELESTE

Buy album:

Antonio Machín is one of the most important singers the world has known. His songs and boleros make us smile due to his massive impact on post-war radio, and only a few have dared to approach and rebuild those compositions since then.

It is from this respect and admiration, to Machín and also to the memories of those difficult past years, this unique band decided to pay their respects. The deepest sound of boleros meets high quality production and playful electronics to create this amazing and unique experience.

 

  • Celeste Alías : voice
  • Santi Careta : electric guitar
  • David Soler : electric guitar, slide guitar
  • Oriol Roca : drums, percussion, electric bass
  • Amparo Sánchez: vocals on Camarera de mi amor
  • Carlos Cortés: percussion

 

www.celestemusic.eu

Press

 

“La promiscuidad de las nuevas, y no tan nuevas, generaciones de músicos de la escena jazzística barcelonesa, entendida esta en su sentido más amplio y abierto, va totalmente pareja al notable nivel y calidad que atesoran. Posiblemente una de las hornadas más preparadas, con una diversidad discursiva manifiesta. Una cantera pareja a la del primer equipo de fútbol de la ciudad, pero sin su poder económico ni mediático. Músicos de mentalidad abierta, que beben de fuentes bien diversas propiciando combinatorias curiosas y totalmente digestivas. Músicos inquietos, receptivos y en buena armonía. Músicos que se van entrecruzando en diversas propuestas y proyectos.

Los cuatro integrantes de Jazz Machín son una buena muestra de lo dicho anteriormente. David Soler, “pedal-steel”, guitarra eléctrica y pedales, es el reciente ganador del premio al mejor disco del año porDenga, según la AMJM (Associació de Músics de Jazz i Música Moderna de Catalunya); líder del contundente trío Figurines, así como miembro del quinteto Libera de Giulia Valle. Oriol Roca, batería de la exquisita y surrealista Piccola Orchestra Gagarin (con Paolo Angeli); así como del último y cuasi silencioso cuarteto de David Mengual, “Slow Time” (comentado recientemente en Tomajazz) e integrante, también, del quinteto “Libera”. Santi Careta, guitarra, banjo, mandolina y pedales, forma dúo con Celeste Alías en el proyecto “Black&blue” (sentido y emotivo homenaje a Billie Holiday, Nina Simone y Abbey Lincoln), miembro a su vez de Astrio (desde hace poco con sólo una ese), así como del grupo, sin bajo, Bindu trío. Celeste Alías, aparte de formar dúo con Careta, tiene otro con el pianista menorquín, Marco Mezquida, con el que ha grabado el interesante “Two lonely people”, y también es la vocalista del septeto “La veu de la guitarra” (con tres guitarristas y un trío de cuerda).

Jazz Machín se desplaza entre lo real y lo onírico, entre lo manifiesto y lo latente, entre el sueño y la vigilia, entre lo consciente y lo inconsciente, un ir y venir, como si Lewis Carroll hubiese dejado a su Alicia, en este caso nuestra Celeste con sus tres machines, un paso por delante y otro más allá del espejo, viéndose a su vez, el reflejo y lo que hay detrás, entre las formas concretas de lo real y las imprecisas y evanescentes del deseo. Celeste con su peculiar voz dibuja el reflejo, mediante su recreación de las letras que cantara Machín, mientras el resto de la banda, recoge y distorsiona, muy positivamente, su recuerdo musical, proyectándolo hacia otro espacio, generando una peculiar aurora en la nocturnidad de la nostalgia. Como si todo estuviera filmado por un  David Lynch en pleno estado de forma.

El cuarteto ofrece su personal visión, revisión y homenaje al gran maestro cubano Antonio Machín, con perlas como, “Angelitos negros”, “Esperanza”, “No me vayas a engañar”, “Toda una vida” (interpretada a dúo con Careta), “Cuando me besas” (tema que resumiría perfectamente lo comentado anteriormente entre el ir y el venir) y “Dos gardenias”, sólo por mencionar la mitad del repertorio. En la noche de la inauguración, fue una lástima que por una sonorización no del todo afortunada, nos impidiera disfrutar plenamente de todos los matices y capacidades que nos tiene habituados la voz de Celeste. A pesar de ello, y como dirían los más flamencos del lugar, los mimbres mostrados por todos los miembros de este notable grupo son de alta gama, calidad fehaciente, ricos en cualidades y tonos, que irán acrecentándose, todavía más, sin duda alguna, a lo largo de las próximas actuaciones. Un homenaje realizado con respeto y totalmente alejado de cualquier mímesis.” Joan Cortès, Tomajazz (January 2013)

 

“(…)el projecte Celeste canta Antonio Machín, en què Celeste Alías, David Soler, Santi Careta i l’ubic Oriol Roca remenen el llegat de Machín amb sentit i llibertat, a vegades com si inventessin un cabaret per a un western crepuscular”. Xavier Cervantes, Diari ARA (September 2014)

 

“Un bolero o un chachachá de Machín pueden convertirse en algo distinto, en “una canción galáctica del siglo XXI” o en “un túnel del tiempo entre el pasado y el futuro”, explican los integrantes de Celeste, grupo que muestra el viernes 12 en el Centre Artesà Tradicionàrius (21.00 horas) su original visión de ese repertorio latino. Piezas que, sin perder sus atributos melódicos, renacen con nuevas formas y texturas en su audaz primer disco, ‘Celeste canta Antonio Machín’.

Este cuarteto barcelonés se llamaba primero Jazz Machín, un nombre limitador: ni lo que hacen es realmente jazz, ni desean asociar su destino, con carácter indefinido, al cantante cubano. Ahora responden por Celeste en atención a su vocalista, Celeste Alías, si bien en este disco se han mantenido fieles a la idea original de evocar a Machín. “Es un homenaje a nuestros padres, abuelos, tíos… La herencia de toda una vida”, señala el guitarrista Santi Careta, vinculado también a Astrio, que definió el concepto del grupo junto a Alías. “Machín actuó mucho por Catalunya, en fiestas mayores, y para nosotros no es un icono lejano sino un personaje próximo. Su música es la que se escuchaba y bailaba aquí durante muchos años”, apunta la cantante.

El repertorio recorre clásicos como “Dos gardenias”, “Madrecita” y “Angelitos negros”, esta última muy atrevida, en la época, por su reivindicación racial. Machín no las compuso, pero sí les imprimió un inequívoco sello vocal, de modo que parece que fueran suyas. “Para mí, componer e interpretar están en el mismo lugar. Hacerte una canción tuya tiene mucho valor. Machín fue un gran intérprete que no componía, como Chavela Vargas o Mercedes Sosa”, considera Celeste Alías.

En sus manos, esas canciones adquieren nuevos perfiles con trazos de rock vanguardista, experimentando texturas, ritmos y timbres con vagos aires neoyorquinos. “Los Cubanos Postizos de Marc Ribot han sido una influencia para crear el sonido del grupo”, admite Careta, aunque añade: “Pero el trabajo se orientó más a partir de los músicos con los que queríamos trabajar que pensando adónde queríamos llegar”.

Los selectos elegidos fueron el guitarrista David Soler (músico de amplia y variopinta hoja de servicios: Jonah Smith, Quique González, Llibert Fortuny, Nena Daconte…) y el batería Oriol Roca (Refree, Sílvia Pérez Cruz, Kiko Veneno, Mala Rodríguez). Con ellos, ‘Celeste canta Antonio Machín’ combina sentimiento y abstracción. Pero que nadie se asuste: las melodías siguen ahí, bien reconocibles. “El público que viene a vernos es muy amplio, de muchas edades diversas, y las abuelas quedan contentas”, celebra Alías.”Jordi Bianciotto, El Periódico (December 2014)

SELVA DE MAR – DISTRAILS

Distrails

Artist : Selva de Mar
Release Date : March 13, 2013
Label: Whatabout Music
Format : CD

Recorded and produced by Dave Bianchi at Emergency Room, Barcelona

Buy album:

Distrails is the fourth album by Selva de MarThis time, the percussion, hang and cello duo interweaves itself in symphonies swathed in the voices of  Stephanie Pan and Dave Bianchi, the drums of Oriol Roca, and the deepness of Eyal Street’s bassoon. Pablo Wayne and Sasha Agranov design their classic yet more mature wakes of aquatic music on an almost imperceptible canvas of electronic arrangements from Attica that raises them, as the album title suggests, towards a sky with no other limit than the imagination of those who listen.

 

  • Sasha Agranov: cello
  • Pablo Wayne: hang, percussion
  • Mû: vocals
  • Stephanie Pan: vocals
  • Dave Bianchi: vocals
  • Eyal Street: bassoon
  • Oriol Roca: drums

 

www.selvademar.com

Press

 

Selva de Mar. Imagínenla. Cierren los ojos y caminen o naveguen por ella. ¿Cómo es una selva de mar? No lo sé pero, ¿a que suena bien? El mar inspira, la selva respira. Todos llevamos una y por ella suspiramos. ¿Cómo encontrarla? Indispensable la paz interior o, al menos, la voluntad de pacificar el alma. Respirar la selva e inspirar(se en) el mar, imponerse con gesto sereno a la hostilidad del mundo exterior y salir a caminar guiados por los sentidos. Con paso firme, pero pausado, hacia una selva de mar.

Selva de Mar. ¡Gran nombre! Pronúncienlo. ¿A que es puro deleite? Detrás de tan evocadora puesta en escena hay un compromiso indudable con la belleza que se desparrama en música, que riega el cerebro con el filtro del alma. Belleza que parece estática y que, sin embargo, se mueve, viaja, muta en sus texturas y formas como lo hace el cielo cada vez que un avión lo atraviesa, rompiendo nubes, dibujando curvas en el tapiz azul celeste. Música que celebra y se celebra con los oídos abiertos como poros tras un baño de vapor. Música que inunda el espacio, que lo llena de suaves reverberaciones para redibujarlo, para alisar las aristas y hacer respirable lo irrespirable. Una selva que grita a pleno pulmón y, sin embargo, parece susurrada por olas que no rompen rotundas sino que se deshacen en mil pequeñas caricias. Una selva a la que el mar entra templando una fría noche de invierno. Shhhhhh, la espuma de las olas. Ábrete de orejas y escucha.

Selva de Mar. Dos que son un coro de texturas y timbres, melodías y sinfonías con percusión, hang y chelo. Dos que son sinfónica con la ayuda amiga de voces, fagot, batería y electrónicas. Dos que son 133, un orfeón de individuos con el buen gusto de invertir como pequeños mecenas en una gran idea y en sí mismos, conscientes de que su dinero siembra un terreno musical de ensueño: la Selva de Mar. Carlos Pérez Cruz (October 2013)

 

Por fin nuevo disco de Selva de Mar. Desde Club Eden (Whatabout Music 2009) no sabíamos nada de este dúo mágico e inclasificable, Sasha Agramov al cello y Pablo Wayne al hang y a las percusiones.

Selva de Mar no es un grupo musical sino un acontecimiento en sí mismo, una especie de viaje por distintos paisajes de un mundo que crean sus protagonistas de manera única e irrepetible. Por este motivo, sus discos suelen ser grabaciones en directo en donde al buen hacer de Sasha y Pablo, siempre inspirados, se añade el talento de gente como Eyal Street, de la European Brandenburg Ensemble, al fagot, Oriol Roca en la batería, Mû Oli Silva y Stephanie Pan, increíbles a las voces, y Stelios Manousakis i Pandelis Diamantides en las programaciones electrónicas. Dave Bianchi, productor y cabeza visible de Whataboutmusic, canta en “Void of choices”.

Las capas de sonido se suceden, se cruzan, se entremezclan, se empujan las unas a las otras para construir cuarenta y cinco minutos de viaje por una tela de araña, trama y urdimbre hecha de música, sólo música, ni más ni menos.

El primer disco en crowdfunding y cuarto del dúo, Distrails (Whatabout Music 2013) no es un trabajo más en la carrera de Selva de Mar sino un punto de inflexión, un nuevo experimento de esta reunión de músicos excelentes en estado de gracia. Lo demostraron sobradamente en el concierto de presentación en el Centre d’Arts Santa Mónica, a quienes aprovechamos para felicitar por ceder tan magnífico espacio a la creación en directo. No hay que perdérselos. Jordi Torrent, Atiza (November 2013)

 

El cuarto álbum del dúo integrado por el chelista israelí Sasha Agranov y el intérprete de hang y percusionista Pablo Wayne da continuidad a sus creaciones artísticas, en constante movimiento, vivas y en desarrollo continuo. Composiciones contemporáneas, es aquí y ahora cuando las están llevando al disco, que escapan a las etiquetas, las formas musicales delimitadas por los estilos y que podrían solo ser encasilladas en su propio estilo. Han contado con cinco músicos invitados: el polifacético artista de Guinea Bisau Mû (voz), la estadounidense-holandesa Stephanie Pan, la israelí Eyal Street (fagot), el baterista catalán Oriol Roca, y el vocalista y letrista Dave Bianchi. Todos juntos trabajan, desarrollan e improvisan melodías, cadencias y ritmos. Por capas, sustratos, suman brillos, destellos, sonidos,… Y el nombre de Selva de Mar se adapta a la perfección, una selva exuberante de texturas en un mar oscilante que nunca será el mismo de ahora, ni el que fue ni el que será. Música en continua creación sobre la base del cello como instrumento clásico, y el hang como novedoso instrumento de percusión, al que se añaden por estratos el resto de los músicos. Los Sonidos del Planeta Azul (August 2014)

 

Distrails és el quart disc de Selva de Mar, que veu la llum gràcies a un centenar de mecenes que li han donat suport a través d’una campanya de micromecenatge. El duet de percussió, hang i violoncel format per Pablo Wayne i Sasha Agranov fila melodies rimades per les veus de Mû, Stephanie Pan i Dave Bianchi, amb la incorporació de la bateria d’Oriol Roca i el fagot d’Eyal Streett. Una ració de música aquàtica. Enderrock Magazine (November 2013)

WHATABOUT MUSIC: THE FIRST 7 YEARS

Whatabout Music: The First 7 Years

Artist : Various artists
Release Date :
October 15, 2013
Label :
Whatabout Music
Format :
Digital

Buy Album:

A hand-picked compilation of 32 tracks from the first 7 years of Whatabout Music. The label started in 2006 in Barcelona, and now has 37 bands with 60 albums. Here is a selection of tracks recorded between 2006 – 2013

 

Oriol Roca appears on the following tracks:

 

  • Introduction (by Dave Bianchi)
  • Seule (by Tal Ben Ari)
  • The Body Electric (by Leslie Helpert)
  • I’m Coming (by Samantha de Siena)
  • All These Facts Are True (by Dave Bianchi)
  • Insert (by MUT Trio)
  • Blues For Brnc (by Marc Mena Quartet)
  • Camino A La Nave (by Piccola Orchestra Gagarin)

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